<p class='article-text'>تحول فيلم رسوم متحركة صيني منخفض التكلفة من عمل كاد يمر بلا جمهور إلى ظاهرة في شباك التذاكر، بعدما انتشرت مقاطع منه على مواقع التواصل بسبب رداءة رسومه وتحولت السخرية إلى فضول دفع المشاهدين إلى دور السينما.</p><p class='article-text'>وبحسب تقرير نشرته هيئة الإذاعة البريطانية «بي بي سي»، يحمل الفيلم اسم «نيو لاي»، وبدأ عرضه في الصين في 5 أغسطس 2026، وكان إقباله في أيامه الأولى ضعيفاً للغاية، إذ حقق نحو 7169 يواناً فقط خلال أول تسعة أيام، بما يعادل قرابة ألف دولار، ولم يشاهده خلال تلك الفترة سوى 236 شخصاً وفق بيانات منصة «ماويان» الصينية لتتبع شباك التذاكر.</p><p class='article-text'>وكان الفيلم قد بدأ عرضه في نحو 245 دار سينما، لكن ضعف الإقبال أدى إلى تقلص عدد الشاشات التي تعرضه إلى 4 فقط بحلول 14 أغسطس، ولم يكن للفيلم تقريباً حملة ترويجية تقليدية، فلم تصدر له مقابلات أو حملة دعائية واسعة، وكان أبرز ما استخدم للترويج له ملصق مرسوم بأسلوب الحبر الصيني التقليدي.</p><p class='article-text'>ولكن في 14 أغسطس انتشرت على شبكات التواصل الصينية منشورات تتحدث عن الفيلم وأرقامه المتواضعة، ثم بدأ المستخدمون بتداول مشاهد من رسومه ثلاثية الأبعاد، ووُصفت الحركة بأنها "جامدة" والنماذج بأنها شديدة البساطة، وانتشرت تعليقات ساخرة قارنت مستوى الفيلم بأعمال مولدة بالذكاء الاصطناعي، بل وصفه بعض المستخدمين بأنه أقل جودة منها.</p><p class='article-text'>وبدلاً من أن تؤدي السخرية إلى ابتعاد الجمهور، حدث العكس. بدأ مستخدمون يقولون إنهم يريدون شراء تذاكر لمشاهدة الفيلم بأنفسهم ومعرفة إلى أي مدى تبدو الرسوم سيئة بالفعل، وسرعان ما أصبح «نيو لاي» موضوعاً متداولاً على منصة «ويبو» للتواصل الصينية، وظهرت صور ساخرة تضع شخصية العجل الرئيسية في ملصقات أفلام شهيرة، فتحول العمل إلى مادة للنكات على الإنترنت.</p><p class='article-text'>وبعد أن ظل الفيلم دون حاجز 10 آلاف يوان لأيام، تجاوزت مبيعاته المسبقة 100 ألف يوان مع انتشار الحديث عنه، بينها نحو 46 ألف يوان من الحجوزات المسبقة في 15 أغسطس وحده، واضطرت بعض دور العرض إلى إضافة عروض جديدة بعدما بدأت التذاكر تجد مشترين للمرة الأولى.</p><p class='article-text'>وبحلول 16 أغسطس كان إجمالي الإيرادات قد تجاوز 2.5 مليون يوان وفق بيانات أوردتها «غلوبال تايمز»، ثم أشارت بيانات لاحقة إلى تجاوز الفيلم 5.26 ملايين يوان، أي أكثر من 780 ألف دولار.</p><p class='article-text'>وتداولت تقارير في 17 أغسطس أرقاماً أحدث وضعت الإيرادات عند أكثر من 11 مليون يوان، ما يعكس السرعة الكبيرة التي تحولت بها موجة السخرية إلى مبيعات فعلية.</p><p class='article-text'>ويروي «نيو لاي» قصة عجل يحمل الاسم نفسه يصادق نمراً صغيراً يدعى «باو لا»، قبل أن يواجه الأخير رفضاً من مجتمع الأبقار بسبب كونه وافداً من الخارج.</p><p class='article-text'>وساهم اسم الفيلم أيضاً في موجة النكات، فكلمة «نيو لاي» يمكن أن تحمل بالصينية معنى قريباً من «الثور قادم»، ما دفع بعض مستخدمي الإنترنت إلى ربطه بتعبير «السوق الصاعدة» في أسواق الأسهم، وظهرت تعليقات ساخرة عن مستثمرين يشترون التذاكر انتظاراً لـ«قدوم الثور».</p><p class='article-text'>أما حساب الفيلم الرسمي على «ويبو»، فأقر، وفق ما نقلته وسائل إعلام صينية، بأن مستوى العمل لا يصل إلى المعايير المعتادة للرسوم المتحركة السينمائية من حيث التقنية والصورة، في وقت استمر فيه الجمهور في التعامل مع الفيلم باعتباره تجربة ينبغي مشاهدتها لمعرفة سبب كل هذا الحديث.</p>

فيلم صيني يحقق النجاح بسبب سوء جودته

<p class='article-text'>تعد السينما الهندية، من أقدم السينمات في العالم وأكثرها إنتاجاً (بمعدل ألف فيلم كل عام)، إذ ترجع بداياتها إلى عام 1896 (أي بعد عام واحد من عروض الأخوة لوميير السينمائية في باريس) حينما أطلقت أفلاماً صامتة، قبل أن يجاري السينمائيون الهنود نظراءهم الأمريكيين والأوروبيين، ويدخلون الصوت على أفلامهم ابتداءً من عام 1931، من خلال فيلم «عالم أراء» (أو نور العالم).</p><p class='article-text'>ويحظى الفيلم الهندي بمتابعة جيدة في عموم منطقة الخليج من قبل المواطنين والوافدين على حد سواء، ليس فقط بسبب الروابط التاريخية والتأثيرات السوسيوثقافية المتبادلة، وإنما أيضاً بسبب الخلطة المتقنة في الفيلم الهندي، بمعنى جمع الرومانسية والميلودراما والكوميديا والأكشن والرقص والغناء والطبيعة الخلابة في عمل واحد ليستجيب لكل رغبات المشاهد، ومن ثم تتلاشى كل التناقضات لتصبح الحياة وردية وحالمة، وهذا بطبيعة الحال معاكس لأفلام هوليوود التي تستند في غالبيتها إلى قصص الخيال العلمي أو المغامرات المثقلة بالعنف المفرط.<br>من المهم الإشارة هنا إلى أن السينما الهندية ظلت طويلاً أسيرة لنوعية معينة من المواصفات الفنية والحكايات التقليدية التي لم تكن تخرج عن إطار قصة الحب التي تعترضها العقبات الاجتماعية فتحول دون نهاية سعيدة بين طرفيها، لكنها بدأت تتحرر منذ خمسينات القرن الماضي من هذه المواصفات لتتناول قصصاً تتضمن الثورة على الأوهام والخرافات، وتقترب من حياة الإنسان ومعاناته ومشكلاته وتناقضاته.</p><p class='article-text'>وقد برز هذا الاتجاه أول مرة في عام 1955 على يد المخرج الكبير «ساتيا جت راي» من خلال فيلمه «أغنية على الطريق» الذي حصد العديد من الجوائز في مهرجان كان عام 1956، ثم في مهرجان البندقية سنة 1957. توالت بعد ذلك الأفلام التي حطمت المحرمات السينمائية السابقة مثل: «زواج الأرملة، وشرور المسكرات، والطبقات المنبوذة في المجتمع، والتشبه بالغرب». وهكذا تطورت السينما الهندية وراحت تعالج مشكلات الإنسان الهندي البسيط وأحلامه عبر أحلام اليقظة، مرتبطة بوظيفة الفن الحقيقية وهي الارتقاء بالإنسان من خلال معالجة عميقه لمشكلاته وليس عبر تغييب وعيه.<br>من الأفلام الهندية الجميلة التي شاهدتها بإحدى دور العرض في منطقة كولابا ببومباي، زمن دراستي هناك، فيلم «يك بول دو مالي» (Ek Phool Do Mali) الذي أخرجه دافيندرا جويل سنة 1969 من بطولة بال راج، سونيا ساهني، سانجاي خان، سادانا شيفداساني، والطفل المعجزة بوبي، وهو فيلم درامي رومانسي غنائي مؤثر من كلاسيكيات بوليوود مقتبس من رواية «دو كادام آجي» للكاتب «سامبات لال بوروهيت»، ويمكن ترجمة عنوانه إلى «زهرة واحدة وبستانيان»، لكن الجهة اللبنانية التي تولت ترجمة الفيلم إلى العربية اختارت له اسم «ولدي»، فعرض تحت هذا العنوان في سينما أمبير بساحة الشهداء في بيروت حينما انتقلت للدراسة في لبنان في مطلع سبعينات القرن العشرين. <br>يحكي الفيلم قصة المعلم الأرمل «كايلاش»، مدير إحدى مدارس تعليم تسلق الجبال، مع طالبته الفقيرة «سونا» وتلميذه الشاب «آمر كومار». حيث يقع أمر كومار في حب سومنا، وتحمل الأخيرة منه طفلاً دون زواج. يختفي آمر ويظن الجميع أنه مات في حادث انهيار جليدي. هنا يتدخل المعلم كايلاش ويؤدي دوراً إنسانياً بزواجه من سومنا ليعطي طفلها اسماً وعائلة ويربيه كأب.</p><p class='article-text'>بعد مرور ست سنوات من الاستقرار الأسري ونشوء الطفل في أجواء من الحب والرعاية الأبوية، يظهر آمر كومار ليروي للجميع الحقيقة، محاولاً استعادة ابنه وحب حياته «سومنا»، بينما يتمسك المعلم كايلاش بالطفل الذي رباه وأحبه كقطعة من روحه وفؤاده. وتتوالى الأحداث الدرامية والمؤثرة حول التضحية ومعنى الأبوة الحقيقية في جو من الصراع العاطفي على قلب الطفل بين أبيه البيولوجي والرجل الذي منحه اسمه وضحى من أجل تربيته.</p>

قصة فيلم مؤثر من السينما الهندية

<p class='article-text'><div data-empty="false">ثمة لحظة، في منتصف تسعينيات القرن الماضي، توقفت فيها سينما الحركة (Action) عن الإيمان بـ «ستيفن سيغال».</div></p><p class='article-text'>حدث الأمر بهدوء تام، وبلا جولة وداع، فبينما كان في يوم ما «فوق القانون»، تحول في اليوم التالي بطلاً لفيلم «فوق القانون 4: في قاع المستنقع».</p><p class='article-text'><div data-empty="false">المقصود أن سيغال يظهر في أفلام عشوائية ومتشابهة. وسار «جان كلود فان دام» على الخطى المتراجعة ذاتها، حيث هاجرت ركلاته وقفزاته الشهيرة من دور العرض الضخمة، لتستقر في سلال التخفيضات وبقالة الأفلام الرخيصة. </div></p><p class='article-text'>​فما الذي قتَل هؤلاء؟ الإجابة السهلة تكمن في التقدم في العمر، أو صعود بهرجة المؤثرات الرقمية. ففي عام 2014، سار قاتل مأجور متقاعد —يملأه الحزن على جروه الصغير— نحو شاشات العرض، ليدشّن واحدة من أكثر سلاسل الأفلام ديمومة في السينما الحديثة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">لم يكتفِ «جون ويك» بالنجاة من مقصلة تطور هذا النوع السينمائي فحسب، بل أعاد صياغة وتحديد معنى النجاة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​إنّ الفارق هنا لا يتعلق باللياقة البدنية أو المهارة الرياضية، بل يتعلق بالهندسة والبنية الهيكلية. ​شيّد سيغال وفان دام أفلامهما حول مركز جاذبية واحد: نَفْسَيْهما. هدوء سيغال الأسطوري، وحركية فان دام البدنية المرنة — كانت هذه العناصر هي السلعة، ولم يكن العالم المحيط بهما موجوداً إلا ليُنكّل به ويُهزم. كانت الشخصيات الثانوية مجرد ديكورات مكملة، والأشرار كائنات مستهلكة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وهذا أمر لا بأس به، لكن له تاريخ انتهاء صلاحية، فالجمهور يمكنه أن يعشق الممثل دون أن يعشق العالم السينمائي المحيط به، وعندما يتقدم هذا الممثل في السن، ينهار المشروع برمّته، إذ لا يوجد شيء ملموس يتشبث به المشاهد، ولا ميثولوجيا أو أسطورة خفية تدفعه للعودة. </div></p><p class='article-text'>وقد تسببت الاستوديوهات في تفاقم هذه المشكلة وتعميقها، فبدلاً من الاستثمار في ذلك النسيج الكفيل بتحويل فيلم مثل«Under Siege» إلى سلسلة ممتدة، ذات مخاطر وتاريخ وميثولوجيا خاصة بها، اكتفت ببساطة بإنتاج نسخ مكررة من ذات الفيلم، ومع تراجع ملحوظ في مستوى الاهتمام.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولذا، لم تكن حقبة «الأفلام الموجهة مباشرة إلى شريط الفيديو»، بمثابة عقاب فني، بل كانت النتيجة الحتمية للتعامل مع أفلام الحركة والأكشن، كونها مجرد «أداة توصيل وتصدير» للنجم الأوحد، بدلاً من النظر إليها بوصفها عوالم سينمائية تستحق العيش فيها واستكشافها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​تتبدى عبقرية الجزء الأول من فيلم «جون ويك»، في السرعة الفائقة التي يجعلك بها تشعر وكأنك سائح يزور مكاناً كان قائماً ومزدهراً قبل وصولك إليه بزمن طويل. فندق «الكونتيننتال»، والعملات المعدنية الخاصة، والقواعد الصارمة، والسمعة التي تُتداوَل همساً عن رجل نجح ذات مرة في تصفية ثلاثة رجال بقلم رصاص. كل هذه التفاصيل تعمل وفقاً لمنطقها الداخلي الخاص.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​هذا هو مفهوم بناء العوالم بأسلوب الإغواء والجذب، إذ يقبل الجمهور على مشاهدة «كيانو ريفز» وهو يتحرك داخل الغرفة، ولفهم ماهية الغرفة نفسها، مَن يديرها؟ وما عواقب انتهاك قواعدها؟ وهل ثمة عوالم أخرى تقبع وراء هذا العالم؟​ ولم تكن الأجزاء التالية تهدف لمواصلة الحكاية، بل كانت تعمل في كل مرة على توسيع تضاريس الخريطة وجغرافيتها، مثل «المجلس الأعلى»، و«ملك باوري»، والشبكة العالمية للقتلة المأجورين المرتبطين بعهود وقوانين قديمة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​لم يكن غياب سيغال وفان دام وانحسارهما فشلاً في الموهبة، بل كان فشلاً في المخيلة. </div></p><p class='article-text'>​لقد استوعب فيلم «جون ويك» شيئاً جوهرياً، غاب عن عقول أولئك العمالقة تماماً: الجمهور قد يتبع البطل ويسير خلفه إلى أي مكان، لكنه لا يعود وينبهر مجدداً إلا من أجل «العالم السينمائي»، فحجم جثث الضحايا يظل أقل أهمية وتأثيراً بكثير من الميثولوجيا والأسطورة التي تحيط به. والميثولوجيا —على العكس تماماً من الركلة الدائرية — لا تشيب أبداً، ولا تهرم مع الزمن.</p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/08/04/5282421.jpg" alt=" لقطة من فيلم جون ويك " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> لقطة من فيلم جون ويك </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/08/04/5282420.jpg" alt=" جون كلود فاندام " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> جون كلود فاندام </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/08/04/5282422.jpg" alt=" ستيفن سيغال في فيلم «فوق القانون» " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> ستيفن سيغال في فيلم «فوق القانون» </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/08/04/5282424.jpg" alt=" لقطة من فيلم جون ويك " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> لقطة من فيلم جون ويك </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div>

​أواخر عمالقة سينما الأكشن:  تفكيك حقبة «الأبطال» والبديل المعاصر

<p class='article-text'><div data-empty="false">ليس من الصعب سبر التاريخ السينمائي في دولة الإمارات ولا من العَصيّ البحث في أدراج العقود القليلة الماضية عن الأفلام وأسمائها وصنّاعها ليمكن التحقق من التجارب التي تركت بصماتها في هذا الحقل الفني الجديد، بالقياس إلى العمر الزمني القصير لدولة الإمارات.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وحين نتحدث عن التاريخ السينمائي فلا بُدّ من التفريق بين تجربة «المُشاهَدة» وتجربة «الصناعة»، والتي لا تزال حتى اليوم محل التباس.</div></p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/08/02/5280580.jpg" alt="" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption></figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'><div data-empty="false">هناك من يخلطون بين الاثنين، وربما بحسن نية، للتأكيد على أن السينما كانت حاضرة منذ وقت مبكر في حياة الإنسان الإماراتي. وقد حدث ذلك بشكل أو بآخر، غير أن حضورها المبكّر لم يكن بجهود محلية ولا بغرض استهداف الجمهور المحلي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إن غالبية الشهادات التي سجّلت تاريخ بدايات ظهور السينما في المنطقة أجمعت على أن تنظيم العروض السينمائية في ذلك الوقت بدأ في مطلع الأربعينيات من القرن الماضي تقريباً، وذلك في إحدى القواعد البريطانية بالشارقة. </div></p><p class='article-text'>أما الهدف من ذلك فقد كان بغاية محددة وهي التسرية عن جنود سلاح الجو الملكي البريطاني والعاملين داخل القاعدة العسكرية؛ نظراً لأنهم كانوا يشعرون بالسأم خلال عطلات نهاية الأسبوع، إذ لم يكن لديهم ما يفعلونه. وكحلّ لهذه المعضلة فقد فكّر قادتهم بإيجاد وسيلة للترفيه عنهم في مساءات أيام الآحاد وكانت السينما هي الخيار الأنسب.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">لا شك أن السكان في تلك الحقبة حصلوا على امتياز المُشاهدة ربما صدفة، أو ربما بطبيعة الحال نظراً للجغرافيا المفتوحة التي سمحت بالتواجد في المنطقة نفسها، لا سيما أن العروض كانت تُقام في الهواء الطلق، أو قريبة من الأحياء السكنية التي تميزت بالبساطة المعمارية.</div></p><p class='article-text'>غير أن المُشاهدة المجانية لم تدم طويلاً، وسرعان ما تم فرض رسوم على من يرغب بمشاهدة الأفلام التي كانت تُعرض ضمن ما تم تسميته بـ«سينما المحطة» التي أنشئت في القاعدة العسكرية نفسها، وكانت تُعرف أيضاً بسينما «شارقة باراماونت»، حيث متحف المحطة حالياً.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومع أن دبي شهدت في منتصف الخمسينيات افتتاح أول سينما تجارية أُطلق عليها اسم «سينما الوطن»، إلا أن الهدف من إنشائها لم يكن بالتأكيد لعرض أفلام مصنوعة داخل الوطن، وإنما لتقديم خدمات عروض تعتمد على ما يُنتج في الأسواق الخارجية وخاصة أمريكا والهند، إذ كانت الأفلام تُشحن منهما وأحياناً تعبر القارات لتصل من أجل عدة عروض موسمية.</div></p><p class='article-text'>وحين افتُتحت سينما «هارون» في نهاية الخمسينيات في الشارقة فقد سارت على النهج التجاري نفسه. وبعد أن تتالى افتتاح المزيد من دور العرض في الستينيات والسبعينيات في دبي والشارقة، ولاحقاً أبوظبي، تغيّر الحال قليلاً بإضافة القليل من الأفلام العربية القادمة من مصر بعد أن ازداد رواجها في المنطقة.</p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/08/02/5280578.jpg" alt="" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption></figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'>ولكن بقيت الأفلام الهندية والأمريكية هي محل ترقب الجماهير العريضة والمفضلة عند الشريحة الأكبر منهم. وبقيت فكرة البدء بصناعة أفلام محلية غير مطروحة بعد.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعلى الرغم من أن العديد من العائلات كانت آنذاك تمتلك كاميرات سينمائية إلا أن استخدامها ظل في إطار توثيق أنشطة العائلة والأصدقاء والاحتفاظ بها كذكريات أسرية. بمعنى أن وجود هذا النوع من الكاميرات بين أيدي الناس لم يتطور إلى نشاط مُنظّم مثل الفنون البصرية الأخرى كالرسم والمسرح.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إذاً تأسست أول ذاكرة وربما أول تجربة مُشاهدة سينمائية لأفراد المجتمع قبل قيام الاتحاد على سينما الآخر وخاصة التجارية. وبموازاة ذلك لم تدفع الشعبية المتزايدة للأفلام أي فئة مجتمعية ولا حتى الشباب آنذاك لتبنّي مشروعٍ لتأسيس صناعة تحاكي واقعهم وتعكس ثقافتهم وتؤسس لشكل فني قد يتطور إلى ما يمكن أن يكون حركة سينمائية تتخلق منها تجربة تبقى في الذاكرة الشعبية، كما حدث في الكويت مع فيلم «بس يا بحر» للمخرج الراحل خالد الصديق.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وظل هناك فراغ في النشاط والصناعة، بينما بقيت مشاهدة الأفلام القادمة من ثقافات أخرى مستمرة كعادات فردية وليست مجتمعية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وكان على أول فيلم إماراتي «عابر سبيل» من إخراج علي العبدول، الانتظار حتى عام 1988 ليرى القليل من النور، حيث أثار فيلمه حفيظة من توقعوا أن يروا فيلماً مصوراً بكاميرات سينمائية متخصصة، ولم يقنعهم أن الفيلم صُوّر بكاميرات الفيديو التلفزيونية.</div></p><p class='article-text'>ولهذا اعتبروه فيلماً تلفزيونياً لا سينمائياً. وأدى هذا الامتعاض إلى عدم أخذ حتى مضمون العمل بعين الاعتبار، رغم أنه قدم ولأول مرة حكاية مجتمعية مستوحاة من قصة قصيرة بنفس العنوان للكاتب الإماراتي محمد علي المري.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">في إثر هذه التجربة ظهرت تجارب إخراجية متباعدة لأفلام طويلة وقصيرة، واقعية وتجريبية لمخرجين مثل جاسم جابر «الطين الأخير» ـ 1990ـ، ومسعود أمر الله «الرمرام» ـ 1993ـ، ومحمد نجيب «مكان القلب» ـ 1996 ـ، تبعتها المزيد من الأفلام القصيرة لمخرجين آخرين في المجالين الروائي والوثائقي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومع بداية الألفية الثالثة وتحديداً في عام 2001 انطلقت التظاهرة السينمائية الأولى من المجمع الثقافي في أبوظبي، والتي عُرضت فيها معظم الأفلام التي أنتجت قبل ذلك العام، وكانت كلها بجهود فردية. وبعدها بعام واحد تأسست مسابقة أفلام من الإمارات لتكون منصة للأفلام القصيرة المقتصرة على المخرجين الإماراتيين فقط.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولا بد من الوقوف عند هذه النقلة الجوهرية الأولى في تاريخ الحركة السينمائية في الإمارات؛ لأنها منحت الصنّاع المحليين تذكرة عبور للجمهور والتواجد في الفعاليات المُتخصّصة.</div></p><p class='article-text'>وشجّعت الطلبة والهواة على الدخول في غمار التجربة العملية، ولكنها في الوقت ذاته وضعت السينما في سياق التسابق وعجلة الإنتاج المتسّرع تحت ضغط التقديم للدورة التالية بغض النظر عن المقاييس المهنية والفنية الاحترافية.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وجاءت النقلة الثانية مع انطلاقة المهرجانات السينمائية في دبي (2004) ثم أبوظبي (2007) وتخصيص صناديق للدعم المالي؛ كانفراجه حقيقية، إذ أصبح الحراك والإنتاج أكثر انتظاماً، وظهرت في سنوات قليلة تجارب متنوعة للعديد من المخرجين الإماراتيين والمخرجات الإماراتيات. ولعل أهم ما وفرته تلك المبادرات فرصة المشاركة في المهرجانات الإقليمية والدولية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبالرغم من الحراك الذي رافق المهرجانات المحلية إلا أنه لم يستطع التأسيس لـ «صناعة» سينمائية بالمعنى الإنتاجي والمهني والفني والجماهيري الواسع على غرار الدول النشطة في هذا المجال، واستمر النشاط بوتيرة بطيئة أو مُتقطّعة فيما اعتمد الإنتاج في غالبيته على الجهود الفردية والدعم الحكومي مع مساهمة محدودة من القطاع الخاص. </div></p><p class='article-text'>ومع توقف مهرجان دبي السينمائي الدولي في 2017 تراجع الأمل، حيث بات على أصحاب المشاريع السينمائية البحث عن تمويل، وإما التخلي عن مشاريعهم، والبعض قبل بالخيار الثاني.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">بالمقابل كانت الأفلام الأجنبية القادمة من هوليوود، وبوليوود، وكوليوود في موقع الصدارة على الدوام نظراً لقدرتها على الصمود في دور العرض لأكثر من أسبوعين، الأمر الذي يُعد في غاية الصعوبة بالنسبة للفيلم الإماراتي الذي يواجه شتى أنواع التحديات. </div></p><p class='article-text'>وأمام هذه الحقائق يضطر من يُريد الاستمرار في سوق الإنتاج أن يقبل بتقديم التنازلات ليضمن بقاء فيلمه لمدة أطول في دور العرض.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">فإلى أي مدى يمكن للفيلم الإماراتي أن ينافس الآخر؟ هل يكون مثله ليُصطفَى جماهيرياً؟ وإن حدث وتمكن من ذلك، فهل يُعتبر ذلك نجاحاً للصناعة أم للثقافة؟</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">*مقال مميز ضمن «جائزة المقال الإماراتي» في دورتها الثانية.</div></p>

عن التجربة السينمائية في الإمارات.. لمن الشعبية؟

<p class='article-text'><div data-empty="false">هناك قصة متداولة، لكنها أروع من أن يتم تجاهلها، مفادها أن المخرج ألفرد هيتشكوك حاول الاستحواذ على حقوق اقتباس فيلم «ديابوليغو» «Diabolique» قبل أن يتمكن المخرج الفرنسي هنري جورج كلوزو من ذلك؛ بيد أنه وصل متأخراً؛ إذ تحرك كلوزو بسرعة أكبر، وضمن حقوق الرواية، ثم صنع الفيلم. </div></p><p class='article-text'>وتذكر الروايات أن هيتشكوك الذي آلمته هذه اللطمة الإنتاجية مضى في طريقه لينتج فيلم «Psycho» عوضاً عنه كنوع من الرد.</p><p class='article-text'>وسواء كانت هذه الحكاية دقيقة التفاصيل أم لا، فإنها تقتنص بعداً جوهرياً وحاسماً حول مكانة فيلم «Diabolique» في تاريخ الفن السابع: فقد كان هذا هو العمل السينمائي الذي هزّ كيان «أستاذ التشويق» ودفعه لإعادة ابتكار أدواته الفنية كلياً.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وعندما طُرح فيلم «Les Diaboliques» في دور العرض الفرنسية عام 1955، كان بمثابة قنبلة. </div></p><p class='article-text'>وكان كلوزو — الذي نُعِت بـ «هيتشكوك الفرنسي» عن جدارة واستحقاق — قد اقتبس رواية الكاتبين بيير بويلو وتوماس نارسياك التي حملت عنوان «Celle qui n›était plus»، وصاغها ببرود وجفاف جعلت أعمال معاصريه من مخرجي أفلام الإثارة تبدو متكلفة بالمقارنة معه.</p><p class='article-text'>وتبدو القصة في ظاهرها بسيطة ومخادعة: زوجة مدير مدرسة مستبد وعشيقته تتآمران معاً لقتله، وتنجحان في ذلك بالفعل؛ غير أن الجثة تختفي فجأة بعد ذلك.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">​إن ما أدركه كلوزو جيداً، ونقله الفيلم موروثاً إلى أجيال من صناع الأفلام من بعده، هو أن القلق والارتياب المستمر أشد فتكاً ونخراً في وجدان المشاهد من الصدمات المفاجئة الخاطفة.</div></p><p class='article-text'>لذا، جاء فيلم «Diabolique» بمثابة تمرين وتطبيق عملي مكثف على خلق الأجواء، متمثلة في مبنى المدرسة المتهالك، وحوض السباحة العكر والإضاءة الرمادية الجافة التي يبدو أنها انتُقِيت بعناية فائقة لتشعر الجمهور بنوع من الغثيان.</p><p class='article-text'>​لقد كان هذا الطرح جديداً كلياً؛ فالأفلام التشويقية الأمريكية في تلك الحقبة كانت لا تزال تعمل في مجملها تحت مظلة وقواعد سينما النوار (Noir)، حيث الظلال الكثيفة ولكن مع الحفاظ دائماً على قدر معين من الأناقة والجماليات البصرية الفاخرة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">أما كلوزو فقد جرد العمل من تلك الأناقة المصطنعة واستبدلها بقبح مؤسسي فج؛ فلم تكن المدرسة مرعبة بمفهوم أسطوري، بل كانت مخيفة لأنها مبتذلة، روتينية، وتشبه مكاناً حقيقياً نراه كل يوم.</div></p><p class='article-text'>وصار هذا النقل والتوظيف للفزع داخل تفاصيل الحياة اليومية العادية أحد أهم استراتيجيات معالم سينما التشويق الحديثة.</p><p class='article-text'>إن تحفة هيتشكوك «Psycho» عام 1960 تبدو ضرباً من المستحيل دون الاستناد إلى فيلم «Diabolique»؛ فالحيلة المتمثلة في تصفية شخصية رئيسية ومحورية بشكل غير متوقع، والتضليل المستمر لتعاطف الجمهور والبيئة التي جعلها مصدراً للرعب، كلها عناصر تحمل بصمات كلوزو الواضحة.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">استعار هيتشكوك ذلك التوجيه المرتبط بنهاية الفيلم؛ إذ اشتُهر «Diabolique» بمناشدة الجماهير بطلب صريح مفاده ألا يكشفوا عن مفاجأة النهاية لأصدقائهم، وهي استراتيجية تسويقية استنسخها هيتشكوك وطوّرها ليبلغ بها حد الكمال في «Psycho».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إن فكرة تحويل سر الفيلم إلى «سلعة تجارية»، يصبح الجمهور شريكاً في حمايتها، كانت ابتكاراً خالصاً سُجل باسم كلوزو أولاً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وبعيداً عن «Psycho»، فإن أثر فيلم «Diabolique» يمتد ويتتبع خطاه عبر السلالة الكاملة لسينما الإثارة والتشويق النفسي؛ فقد أمضى المخرج برايان دي بالما شطراً كبيراً من حياته في حوار فني مع كوكبة مخرجي هذا النمط، مثل هيتشكوك وكلوزو.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما امتص فيلما «Repulsion» و«Rosemary›s Baby»، للمخرج رومان بولانسكي، تقنية الفيلم الفرنسي في تحويل المساحات المنزلية والحميمة إلى بيئات فاسدة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي زمن أقرب، تعمل أفلام مثل «Gone Girl» و«The Others» في إطار ذات المدرسة والتقاليد القائمة على التضليل للمشاهد والتأخير المتعمد للحقائق الكاشفة، وهي القواعد التي أرساها «Diabolique» بشكل أساسي. </div></p><p class='article-text'>​وجاءت النسخة الأمريكية المُعاد إنتاجها عام 1996 — والتي كانت مقبولة فنياً لكنها طُويت في غياهب النسيان — لبرهنة حقيقة أن قوة الفيلم الأصلي لم تكن في آليات الحبكة بل في رفض كلوزو تقديم أي تفصيلة مريحة للمشاهد. إن الحبكة يمكن زراعتها ونقلها لعمل آخر، أما الأجواء البصرية والنفسية فلا يمكن استنساخها.</p><p class='article-text'>​يظل البناء الختامي لفيلم «Diabolique» - بإيقاعه المتأني وصمته، وسيره نحو واحدة من أكثر لحظات الصدمة السينمائية جدارة في تاريخ الشاشة الفضية — محتفظاً بذات الفاعلية والقوة اليوم كما كان عليه قبل سبعين عاماً.</p>

​«ديابوليك»: رائعة سينمائية أعادت صياغة التشويق والتسويق لدى هيتشكوك

<p class='article-text'>أطلقت سينما عقيل «الدار السينمائية المستقلة والوحيدة في المنطقة»، برنامج «باتشان.. العودة إلى البداية»، الحدث الاستثنائي الذي تختتم فعالياته اليوم، حيث يسلط الضوء على المسيرة الفنية الحافلة والأعمال الفريدة للفنان أميتاب باتشان، أحد أبرز الممثلين وأكثرهم تأثيراً في تاريخ السينما العالمية، من خلال سبعة أفلام شهيرة.</p><p class='article-text'>وسيتم عرض الإصدار المرمم لفيلم «شولاي» في فرصة نادرة لمحبيه عبر سينما عقيل، حيث تم عمل الإصدار المرمم من قبل «فيلم هيرتج فاونديشن» بالاعتماد على النسخة الأصلية المحفوظة في أرشيفها، لتمنح جمهور دبي والإمارات فرصة لاختبار واحدة من أعظم كلاسيكيات السينما.</p><p class='article-text'>ويستمد البرنامج اسمه وفكرته من المبادرة الرائدة التي أطلقتها «فيلم هيريتيج فاونديشن عام 2022»، والتي شهدت عرض 11 فيلماً من أعمال أميتاب باتشان في 17 مدينة هندية على مدار أربعة أيام احتفاءً بعيد ميلاده الثمانين، وسط إقبالٍ جماهيري استثنائي، ومن خلال هذا البرنامج تنقل سينما عقيل هذه التجربة الفريدة إلى دبي.</p><p class='article-text'>ويشتمل البرنامج في مستهل عروضه على فيلم «شولاي»، (1975؛ إخراج: راميش سيبي)، الذي تصدّر قائمة أفضل عشرة أفلام هندية في استطلاع أجراه المعهد البريطاني للأفلام عام 2022، كما يُعد أول فيلم هندي ناطق باللغة الهندية يُعرض بتقنية 70 مليمتراً، واستمر عرضه دون انقطاع لأكثر من خمس سنوات في سينما مينيرفا بمدينة مومباي.</p><p class='article-text'>ويأتي فيلم ديوار (إخراج: ياش شوبرا) بوصفه العمل الأكثر سوداوية في هذه المجموعة، إذ يروي قصة شقيقين يسلك أحدهما طريق الجريمة، بينما يكرّس الآخر حياته لتطبيق القانون، لتنشأ بينهما مواجهة حتمية، كما يمنح فيلم آمار أكبر أنتوني (1977، إخراج: مانموهان ديساي)، البرنامج جرعة كبيرة من الحيوية.</p><p class='article-text'>ويعود فيلم كاليا (1981، إخراج: تينو أناند)، إلى الطابع السوداوي، حيث تتمحور حبكة الفيلم حول رجل يُزج به في السجن ظلماً، قبل أن يخرج منه وقد تحول إلى شخصية لم يعد العالم مستعداً لمواجهتها.</p><p class='article-text'>ويلي ذلك عرض فيلم ناماك حلال (1982، إخراج: براكاش ميهرا) المفعم بالأجواء الكوميدية الخالصة، إذ يقدم باتشان أحد أبرز أدواره الكوميدية في السينما الهندية.</p><p class='article-text'>ويتخذ البرنامج بعد ذلك منحى أكثر عمقاً وخصوصية مع فيلم أبهمان (1973، إخراج: هريشيكيش موخيرجي)، الذي يسرد قصة درامية إنسانية تدور حول زوجين يعملان في مجال الغناء.</p><p class='article-text'>ويختتم البرنامج بعرض فيلم خودا جاوا (1992، إخراج: موكول إس. أناند)، وهو ملحمة سينمائية عابرة للحدود والأجيال.</p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/08/5253925.jpg" alt="     بثينة كاظم" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption>     بثينة كاظم</figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'>وقالت بثينة كاظم مؤسسة سينما عقيل: «شكّلت أفلام أميتاب باتشان الذاكرة السينمائية الأولى للعديد من سكان دبي، وكان لها دور وثيق في صياغة تجربة ارتياد السينما في دولة الإمارات، ويسرنا استضافة هذا البرنامج الخاص احتفاءً بالإرث السينمائي واللغة الفنية المتجذّرة في تاريخ المدينة، ويسلّط الضوء على الرابط الثقافي المشترك الذي يجمعها بمدينة بومباي على وجه الخصوص، موطن بوليوود، ويكّرم شركائنا في مؤسسة التراث السينمائي، الذين أسهموا بشكل جوهري في إنجاز البرنامج».</p>

«باتشان.. العودة إلى البداية» في سينما عقيل.. مسيرة وإضاءات

<p class='article-text'><div data-empty="false">أعلنت مؤسسة الشارقة للفنون عن برنامجها لصيف وخريف 2026، مواصلةً التزامها بتعزيز التبادل والتعاون مع المجتمع الفني الإقليمي والعالمي، من خلال برنامج متنوع يجمع بين المعارض والتصوير الفوتوغرافي والعروض الأدائية والسينما والنشر الفني، إلى جانب حضور دولي لمقتنياتها في عدد من المؤسسات الثقافية الشريكة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتقام ضمن البرنامج الدورة الثالثة عشرة من معرض التصوير الفوتوغرافي «الشارقة، وجهة 13» في رواق الفوتوغراف من 8 أغسطس حتى 29 نوفمبر، لتقدم فصلاً جديداً في مسيرة المعرض مع انتقاله إلى هذا الفضاء المخصص لفن الفوتوغراف. ويشارك في هذه الدورة ستة فنانين اختيروا عبر دعوة مفتوحة دولية، وهم آدم روحانا، غوانيو شو، لطيفة البخاري، لويزا دور، ماهيدر هايليسيلاسي، وساتيش كومار، حيث يعرضون أعمالاً جديدة أُنجزت بتكليف ودعم من المؤسسة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويستمر معرض «سرديّات الفوتوغراف على امتداد سواحل الخليج» ضمن عرضه الدائم في رواق الفوتوغراف، جامعاً 165 صورة فوتوغرافية ووثيقة أرشيفية من مقتنيات صاحب السمو الشيخ الدكتور سلطان بن محمد القاسمي، عضو المجلس الأعلى حاكم الشارقة. ويضم المعرض شرائح زجاجية تعود إلى أواخر القرن التاسع عشر وبدايات القرن العشرين، تقدم صوراً لبشر وأمكنة وأنشطة على امتداد الخليج العربي وسواحل المحيط الهندي، وتستعرض دور الممرات المائية والمناطق الساحلية بالخليج في تسهيل التواصل البشري، وتشكيل التجارة العالمية، وتعزيز التبادل المعرفي والثقافي واللغوي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">أما دولياً، فيتواصل حضور مقتنيات مؤسسة الشارقة للفنون عبر معرضين طُوّرا بالتعاون مع مؤسسات شريكة. إذ يستضيف مركز أرانيا للفنون في غوانغجو معرض «في الحضور والغياب: أعمال من مقتنيات مؤسسة الشارقة للفنون» حتى 30 أغسطس 2026، مقدّماً أكثر من 70 عملاً في الرسم والنحت والتصوير الفوتوغرافي والفيديو والمنسوجات لـ28 فناناً. </div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي دبلن، ينظّم المتحف الأيرلندي للفن الحديث، بالتعاون مع مؤسسة الشارقة للفنون، معرضاً يضم مختارات من مقتنيات المؤسسة، وذلك في هاوس غاليري بالمتحف، خلال الفترة من 19 نوفمبر المقبل حتى مايو 2027. ويسلّط المعرض الضوء على ممارسات فنية وتكليفات من فلسطين والدول المجاورة، من خلال لوحات ومنحوتات وتركيبات وأعمال فيديو يعود تاريخها إلى ستينيات القرن الماضي، مع تركيز خاص على الفنان عبد الحي مسلم زرارة (1933 – 2020).</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>«عروض الشارقة»</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"> ومع حلول الخريف، تعود مجموعة من البرامج السنوية للمؤسسة، من بينها الدورة الخامسة من «عروض الشارقة»، التي تقام من 11 أكتوبر حتى 29 نوفمبر في مواقع متعددة في الشارقة وخورفكان. ويواصل موسم العروض الأدائية توسيع حضوره في المدينتين، من خلال برنامج متنوع يعكس النسيج الثقافي الغني للشارقة ويحتفي به، ويوفر تجارب مشتركة تربط الجمهور بالفن في فضاءات مألوفة وأخرى غير متوقعة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتقام الدورة التاسعة من «منصة الشارقة للأفلام» من 30 أكتوبر لغاية 8 نوفمبر 2026 في سينما سراب المدينة بساحة المريجة وصالات سينما أخرى في الشارقة. </div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويُختتم البرنامج السنوي بمعرض الكتاب الفني «نقطة لقاء»، الذي تعود دورته التاسعة إلى بيت عبيد الشامسي في الشارقة من 11 إلى 13 ديسمبر، جامعةً طيفاً متنوعاً من المواد المطبوعة والمنشورات الصادرة عن مطابع الفنانين وصنّاع الكتب والناشرين المستقلين والمنتجين الثقافيين، مواصلةً دعمها للمقاربات التجريبية في وسيط الطباعة.</div></p>

برنامج ثقافي ثري في صيف وخريف «الشارقة للفنون»

<p class='article-text'><div data-empty="false">يأخذ الفيلم اللبناني «دو يو لاف مي» للمخرجة اللبنانية لانا ضاهر، الذي عرض ضمن فعالية بعنوان «تحدث إلى الغرباء»، مؤخراً، بسينما عقيل في دبي، المشاهد في رحلة سينمائية آسرة داخل الذاكرة السمعية والبصرية للبنان، من خلال بناءٍ فريد، يعتمد بالكامل على مواد أرشيفية تمتد لأكثر من سبعين عاماً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لا يسعى الفيلم إلى تقديم سردٍ تاريخي تقليدي، أو إنتاج تاريخ رسمي، بل يبني ذاكرة جماعية من الشظايا والصور والأصوات المتناثرة. </div></p><p class='article-text'>وفيلم «دو يو لاف مي» أول أفلام ضاهر الطويلة، يحفل بلحظات الفرح والحب والحياة اليومية، مع مشاهد الحرب والدمار والفقدان، ليصبح العمل تأملاً عميقاً في معنى الذاكرة والانتماء، وفي قدرة الفن على مقاومة النسيان، وحفظ ما يتعذر حفظه بالمؤسسات الرسمية.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبدأ الفيلم من فكرة ضيقة، تتركز على عائلة بندلي الفنية، وأغنية «دو يو لاف مي»، قبل أن يصبح محاولة لفهم الذاكرة والطفولة والهوية اللبنانية، وبهذا، فإن عنوان الفيلم جاء تجسيداً لعلاقة ملتبسة مع المكان، ممثلاً بلبنان، وبيروت على وجه التخصيص.</div></p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/01/5244282.jpg" alt=" علي جابر
" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> علي جابر
</figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'><div data-empty="false">وخلال فعالية «تحدث إلى الغرباء»، قال الإعلامي علي جابر: «الفيلم يثير شعوراً غريباً، ليس شعور الحنين المتوقع، بل شعور بالغضب».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأضاف: «تقع علينا كلبنانيين مسؤولية كبيرة تجاه بلدنا، فنحن من قصّر بحقه، ونتحمل مسؤولية كبيرة في هذا المجال. ولهذا، فإن هذا الفيلم عاد بنا إلى الذاكرة اللبنانية».</div></p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/01/5244284.jpg" alt="بثينة كاظم" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption>بثينة كاظم</figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'><div data-empty="false">من جهتها، قالت بثينة كاظم، مؤسس سينما عقيل، إن الأفلام باتت متاحة اليوم للمشاهد بأكثر الوسائل سهولة، ولكن دور السينما اليوم تحمل أهمية خاصة، لكونها قادرة على جمع الجمهور أمام شاشة واحدة، في لحظة مشاهدة جماعية، تنتج حواراً إبداعياً وتواصلاً إنسانياً. </div></p><p class='article-text'>وتابعت: «من تجربتنا الخاصة، فإنه بالرغم من أن الأفلام متاحة، وعلى نطاق واسع، إلا أن الجمهور لا يزال متعطشاً لخيارات وبرامج واقتراحات أخرى، لا يصلها الإنسان بنفسه، ويفوته دائماً الالتفات إليها.</p><p class='article-text'>وتكتمل التجربة مع اختيار محاورين متميزين، قادرين على الإضاءة على التجارب المختلفة، ومع فيلم «دو يو لاف مي»، التقى الجمهور مخرجة الفيلم لانا ضاهر، وتمكنوا من التعرف إلى بعضهم البعض خلال اللقاء الذي تلى العرض».</p>

«سينما عقيل» ورحلة في الذاكرة اللبنانية

<p class='article-text'><div data-empty="false">ثمة هندسة تفرض نفسها على كوميديا «السلابستيك» أو الكوميديا الحركية، ففي جوهره يعيد هذا التصنيف الفرعي صياغة الهشاشة الإنسانية وتحويلها إلى بنية هيكلية ملموسة، مرتكزاً على معادلة شديدة البساطة في ظاهرها: جسد في حالة حركة يصطدم بعالم لا يرحم. وقبل وقت طويل من تعلّم السينما كيف تنطق وتتكلم، كانت الكوميديا الحركية هي اللغة العالمية الموحدة على الشاشات.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبعيداً عن كونها مجرد مجموعة من السقطات المبتذلة والفطائر المتطايرة، فقد خضع هذا النمط الفني لتطور رفيع المستوى، متحولاً من الألعاب البهلوانية البدنية الفجة إلى أداة شديدة التميز لتقديم الهجاء الساخر، والمحاكاة التهكمية، وجمود الملامح.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وقد اشتُق المسمى نفسه في الأصل من أداة «الباتاتشيو»، وهي أداة خشبية تتكون من لوحين متطابقين كانت تُستخدم في المسرح الإيطالي الكلاسيكي في القرن السادس عشر المعروف بـ«كوميديا الارتجال»، وعند ضرب الممثل بها كانت تصدر صوتاً مدوياً وشديد الانفجار بأقل قدر ممكن من الأثر البدني الحقيقي لتشكل بذلك أقدم مؤثر صوتي خاص لمحاكاة الضرب والتعنيف.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وبحلول أوائل القرن العشرين، انفجرت هذه التقاليد المسرحية على شريط السينما. ففي عصر السينما الصامتة، أحدثت أيقونات خالدة مثل «تشارلي تشابلن»، و«بستر كيتون»، و«هارولد ليويد» ثورة شاملة في هذا القالب، إذ تعاملوا مع العالم المادي وكأنه ساحة ألعاب تخضع لقوانين فيزيائية متغيرة، مستغلين التوقيت الدقيق والمثالي والمخاطر البدنية الحقيقية ليعكسوا من خلالها مخاوف مجتمع آخذ في التطور الصناعي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومع انتقال السينما إلى عصر الصوت، واجه الاعتماد على التمثيل الإيمائي تراجعاً حاداً، ومع ذلك أدرك صناع الأفلام في نهاية المطاف أن الكوميديا الجسدية لا تشترط الصمت، بل تطلب فقط نوعاً مختلفاً من الدقة والإتقان.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وقد تجلت هذه النقطة المحورية الحاسمة على يد المخرج «بليك إدواردز» والممثل «بيتر سيلرز» في فيلمهما «The Party» (الحفلة) عام 1968، إذ يمثل هذا الفيلم جسراً يربط بين فنون الاستعراض الحركي الصامت الكلاسيكي (Choreography) وكوميديا الموقف المعاصرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​يجسد سيلرز في الفيلم شخصية «هروندي ف. باكشي»، وهو ممثل تلاحقه الحوادث أينما حل، ويتسبب بالخطأ في تدمير قصر مجهز بأحدث التقنيات يملكه أحد أقطاب هوليوود، مخرباً إياه من الداخل إلى الخارج. وبدلاً من الاعتماد على الاصطدامات المتلاحقة والسريعة، يستعرض فيلم «The Party» المقالب، حيث يبدأ الموقف بهفوة صغيرة، مثل سقوط حذاء في مسبح داخلي، ثم تتوالى الأحداث كأحجار الدومينو لتتحول في النهاية إلى كارثة مطلقة. وبذلك، أثبت إدواردز أن قواعد الإتيكيت الاجتماعي أرض خصبة للمواقف الفكاهية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">بحلول ثمانينيات القرن الماضي، شهد هذا التصنيف الفرعي قفزته التطورية الأكثر راديكالية وجرأة على يد ثلاثي الكتابة والإخراج: «جيم أبراهامز»، و«ديفيد زوكر»، و«جيري زوكر» (المعروفين سينمائياً بـ ZAZ). ومن خلال فيلمهم الأيقوني «!Airplane» عام 1980 وعبارته الأشهر على الإطلاق «ولا تنادني شيرلي» ابتكروا طفرة كوميدية جديدة تماماً: المحاكاة الساخرة ذات الملامح الجامدة الصارمة (The deadpan parody).</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​تجلت عبقرية الثلاثي (ZAZ) في إسناد الأدوار إلى ممثلين دراميين جادين أبرزهم الراحل «ليسلي نيلسن» وتوجيههم لتقديم المشاهد القائمة على العبثية المطلقة بجدية ورصانة تامة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم تعد الكوميديا الجسدية هنا تتمحور حول رد فعل البطل الصاخب والمبالغ فيه عند تعرضه للسقوط، بل أصبحت ترتكز على تجاهل البطل الكامل للفوضى العارمة التي تجتاح المكان من حوله.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​وصلت هذه التوليفة السينمائية إلى ذروة نضجها مع سلسلة أفلام The Naked Gun التي لعب فيها نيلسن دور المحقق الغافل والمنفصل عن الواقع «فرانك دريبين».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فمثلاً، بينما يلقي دريبين مونولوغات ثقيلة وجافة مستوحاة من سينما الجريمة السوداء (Hardboiled film-noir) في مقدمة الكادر، تجد ممثلي الخلفية يتساقطون من فوق البنايات، والسيارات تنفجر بلا سبب، والأدلة الجنائية تُطمس وتُدمّر بشكل ممنهج وأحياناً غبي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">قلبت هذه السلسلة مسيرة نيلسن رأساً على عقب، فبعد أدوار دراما جادة أصبح الرجل الأول للكوميديا.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">أعادت الأفلام المذكورة آنفاً صياغة الكيفية التي يتلقى بها الجمهور المعاصر الفكاهة الجسدية ويتفاعل معها بالكامل؛ ونجحت هذه الأعمال في وضع القواعد التأسيسية لكل شيء جاء بعدها؛ بدءاً من فيلم «Shaun of the Dead»، وصولاً إلى الكوميديا الجسدية السريالية التي تزخر بها الرسوم المتحركة في التلفزيون الحديث.</div></p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/01/5244262.jpg" alt="ليزلي نيلسن وروبرت هيز في فيلم «الطائرة»" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption>ليزلي نيلسن وروبرت هيز في فيلم «الطائرة»</figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/01/5244258.jpg" alt=" ملصق فيلم «ذا بارتي» " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> ملصق فيلم «ذا بارتي» </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/01/5244260.jpg" alt=" ملصق فيلم «ذا نيكد غان» " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> ملصق فيلم «ذا نيكد غان» </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/07/01/5244259.jpg" alt=" ملصق فيلم «الطائرة» " />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption> ملصق فيلم «الطائرة» </figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div>

​«ولا تنادني شيرلي».. المسار المتحول لسينما «السلابستيك» الحديثة

<p class='article-text'><div data-empty="false">عندما عُرض فيلم «Point Blank» (بوينت بلانك) للمخرج «جون بورمان» في دور السينما عام 1967، زلزل البنية الهيكلية التقليدية لأفلام الجريمة الأمريكية، فمن الناحية الظاهرية تسير الحبكة وفق مسار مألوف: </div></p><p class='article-text'>مجرم متبلد المشاعر وصارم يُدعى «ووكر»، جسّد شخصيته «لي مارفين» بنبرة حادة وقناعة مخيفة بدت ملامحها كالحجر، يتعرض للخيانة على يد شريكه، ويُترك ليلفظ أنفاسه الأخيرة بين أطلال سجن «ألكتراز».</p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/06/24/5235657.jpg" alt="" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption></figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'><div data-empty="false">لكنه يعود من جديد ليتغلغل في الأحياء الخلفية وعالم الجريمة السفلي لمدينة لوس أنجلوس، مستميتاً في استرداد حصته المسروقة البالغة 93000 دولار.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​ومع ذلك فإن ما يجعل من «Point Blank» تحفة سينمائية تنتمي لمدرسة «هوليوود الجديدة» ليس تتابع أحداثه، بل أسلوب تنفيذه الراديكالي والمجزأ، فالعمل لم يكتفِ بتحديث سينما التشويق، بل أعاد ابتكارها وصياغتها من الجذور.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">قبل عام 1967، كانت سينما «النوار» فيلم (نوار) تُعرّف بشكل أساسي من خلال ظلالها، تلك الأزقة الغارقة في الأبيض والأسود والمبللة بالأمطار في حقبتي الأربعينيات والخمسينيات.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">غير أن فيلم «Point Blank» أطلق فعلياً موجة «النوار الملون»، باثاً البرهان على أن مشاعر السوداوية، والاغتراب، والوجل يمكن أن تحيا وتزدهر أيضاً تحت أشعة شمس كاليفورنيا الحارقة، ​إذ ابتكر «بورمان»، جنباً إلى جنب مع مدير التصوير «فيليب إتش لاثروب»، استخداماً تعبيرياً ومفرط الأناقة للألوان، فبدلاً من محاكاة الواقع، وُظّفت في الفيلم لوحة ألوان صارمة ومشفرة تتغير ملامحها وتتبدل كلما اقترب «واكر» من أهدافه.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وهكذا تنتقل المشاهد بتعمد مدروس عبر درجات الرمادي الباهت، والأصفر الصادم، والأزرق العميق، وصولاً إلى الأحمر الهجومي الصارخ. هذا التوظيف العبقري للبيئات ذات الألوان المرمزة وضع حجر الأساس لجماليات «النوار الملون الصاخب» التي ستعيد لاحقاً صياغة هوية أفلام أيقونية مثل Drive، وThe Long Goodbye، وفيلم Thief للمخرج مايكل مان.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولعقود خلت، ظل نقاد السينما وباحثوها مأخوذين بقدرة الفيلم الغريبة والمحيرة على طمس الحدود الفاصلة بين الواقع والحلم، إذ تشير قراءة نقدية بارزة وراسخة إلى أن «ووكر» لم ينجُ أساساً من واقعة الخيانة الأولى في سجن «ألكتراز»، بل يمكن قراءة الفيلم بأكمله بوصفه هلاوس بصرية ولحظات احتضار أخيرة يعيشها رجل ينزف على الأرضية الخرسانية لزنزانته، متخيلاً فانتازيا انتقامية مثالية لا تُقهر ضد المنظمة المؤسساتية (Syndicate) التي غدرت به. </div></p><p class='article-text'>​وقد تعمد «بورمان» تغذية هذا الغموض والالتباس عبر استخدام مونتاج يربك الإدراك وقفزات زمنية متداخلة، إذ يبدو «ووكر» في كثير من الأحيان أقرب إلى قوة طيفية لا يمكن صدها منه إلى إنسان من لحم ودم.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي واحد من أشهر المشاهد في تاريخ السينما، يتداخل الصدى الإيقاعي المدوّي لخطوات حذاء «ووكر» وهو يسير في ردهة مطار معقمة وجافة، ليعبر حدود الزمان والمكان ويتراكب مع لقطات استيقاظ زوجته السابقة من نومها.</div></p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/06/24/5235658.jpg" alt="" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption></figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'><div data-empty="false">إنه يتحرك عبر الحصون المؤسساتية شديدة الحراسة كالأشباح، فلا يلمس الأموال بيده أبداً، بينما يتساقط خصومه ويهوون إلى حتفهم واحداً تلو الآخر دون أن يضطر «ووكر» حتى إلى الضغط على زناد مسدسه. هذا الطمس المستمر والممنهج يترك الجمهور في تساؤل دائم بين ما هو حقيقي وخيال عقل يحتضر.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إن الأثر الذي تركه فيلم «Point Blank» على السينما المعاصرة هائل وضخم، فمن خلال المزج بين الحطام والواقعية الفظة لروايات الجريمة الأمريكية الشعبية (Pulp fiction)، ومحاكاة أسلوبه لـ«الموجة الجديدة الفرنسية»، نجح «بورمان» في تغيير الحمض النووي لسينما الحركة والإثارة بأكملها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​«إن شخصية «ووكر» هي تمهيد لما يعرف بـ«Antihero» المعاصر، أو البطل المخالف للعرف، فهو الجد المباشر لشخصيات تتنوع ملامحها وتتقاطع بدءاً من فيلم «The Limey» للمخرج ستيفن سودربيرغ، وصولاً إلى الاندفاع الضاري والمستميت لشخصية جون ويك».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​ولقد عُرف عن «سودربيرغ» استخدامه لفيلم «Point Blank» كمخطط هيكلي وبصمة إرشادية لأسلوبه الخاص في المونتاج، كما أشار «كوانتن تارانتينو» مراراً وتكراراً إلى تسلسله الزمني المجزأ كمصدر إلهام رئيسي لأعماله.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعبر تحويل التداعيات المباشرة لعملية سطو تقليدية إلى رحلة وجودية ونفسية، برهن «Point Blank» على أن فيلم الجريمة يمكن أن يكون مغرقاً في الفلسفة، وراديكالياً في طابعه البصري، ومثيراً بحبس الأنفاس في آنٍ واحد. وبعد مرور ستة عقود تقريباً لا تزال قبضته الصارمة والباردة على المخيلة السينمائية عصية على الانكسار.</div></p>

ثأر على حافة الموت.. عندما فكك «بوينت بلانك» كليشيهات «فيلم نوار» وأطلق الجريمة بالألوان

<p class='article-text'>لم يكن كريس راندلمان، الرئيس التنفيذي للإيرادات في سلسلة دور سينما "فليكس برو هاوس"، يتخيل أن يعود ليتحدث عن "الازدهار" في قطاع السينما بعد عشر سنوات من الخناق الذي فرضته الجائحة، والضربات الموجعة التي وجهتها إضرابات العمال، والمنافسة الشرسة التي جعلت من "شاشة المنزل" تهديداً وجودياً لشاشات العرض العملاقة.</p><p class='article-text'>اليوم، لغة الأرقام تتحدث بوضوح؛ 4.46 مليار دولار في خزائن السينما المحلية حتى الآن، والعد التنازلي نحو حاجز الـ 10 مليارات دولار يبدو واقعياً أكثر من أي وقت مضى.</p><p class='article-text'>السؤال هنا ليس: "هل عادت السينما؟" بل: "بأي ثمن استعادت هوليوود سيطرتها، وما هي الاستراتيجية التي جعلت الجماهير تدفع 50 دولاراً للتذكرة الواحدة في زمن التوفير؟"</p><p class='article-text'>لقد بلغ عام الانتعاش في شباك التذاكر آفاقاً جديدة، حيث حقق فيلم "حكاية لعبة 5" (Toy Story 5) لشركة ديزني افتتاحية عالمية قدرت بنحو 312 مليون دولار، وهو ثاني أفضل ظهور على الإطلاق لفيلم رسوم متحركة من إنتاج "بيكسار".</p><p class='article-text'>ومحلياً، انطلق الفيلم بـ 160 مليون دولار، مما يجعله الافتتاح الأكبر لأي فيلم في الولايات المتحدة وكندا منذ فيلم "ماين كرافت"  في أبريل 2025.</p><p class='article-text'>وبحسب شركة الأبحاث "إنتليجينس"، فقد ساهم هذا الإقبال القوي في دفع أرقام الصناعة ككل، حيث ارتفع عدد التذاكر المباعة هذا العام بنسبة 7% ليصل إلى 312 مليون تذكرة، وهو ما يعكس تعطش الجمهور للعودة إلى صالات العرض.</p><p class='article-text'>وقد استوفت العديد من الأفلام الحدثية هذا العام توقعات الصناعة العالية أو تجاوزتها، بما في ذلك "مشروع هيل ماري" ، و"فيلم سوبر ماريو جالاكسي" ، و"مايكل" ، و"الشيطان يرتدي برادا 2" .</p><p class='article-text'>كما شهدت الأسابيع القليلة الماضية تحول فيلمي رعب منخفض التكلفة، وهما "غرف خلفية" (Backrooms) و"هوس" (Obsession)، إلى أفلام ناجحة بشكل غير متوقع.</p><p class='article-text'>وبحسب شركة "رينتراك" ، بلغ إجمالي شباك التذاكر المحلي حتى الآن هذا العام ما يقدر بـ 4.46 مليار دولار، وهو أعلى مستوى منذ عام 2019. وقد لعب التضخم دوراً في ذلك، لكن ليس بقدر نمو الإقبال الجماهيري. فقد ارتفع متوسط سعر تذكرة البالغين بنسبة 3% عن العام الماضي ليصل إلى 13.44 دولاراً.</p><p class='article-text'>ويتوقع المسؤولون التنفيذيون الآن أن يقترب إجمالي شباك التذاكر المحلي هذا العام من 10 مليارات دولار أو يتجاوزها. وكان أعلى إجمالي تم تحقيقه بعد الجائحة سابقاً هو 8.9 مليار دولار في عام 2023.</p><p class='article-text'>ومع ذلك، لا تزال الإيرادات أقل من مستويات أواخر العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، عندما تجاوز إجمالي مبيعات التذاكر 11 مليار دولار لخمس سنوات متتالية.</p><p class='article-text'>يعتقد الكثيرون في الصناعة أنهم لن يعودوا أبداً إلى ذروة ذلك العصر، عندما كانت الامتيازات الضخمة مثل "أفنجرز و"حرب النجوم" و"السرعة والغضب" (Fast & Furious) تحقق نجاحاً مستمراً. فخلال السنوات القليلة الماضية، ورغم نجاح أفلام مثل "توب غان: مافريك"   و"فيلم ماين كرافت"، كانت الصناعة تمر بأسابيع طويلة دون أي فيلم ناجح.</p><p class='article-text'>لكن هذا الصيف يبدو مختلفاً. فعلى الرغم من أنه لا يزال في بدايته ضمن موسم مايو-سبتمبر، الذي يحقق فيه قطاع السينما عادة حوالي 40% من إجمالي إيراداته السنوية، إلا أن معظم الإصدارات الرئيسية القادمة بدأت بالفعل في بيع التذاكر.</p><p class='article-text'>وبناءً على المبيعات المسبقة، فإن التوقعات هائلة لفيلم "سبايدر مان: يوم جديد" وكبيرة لفيلم "الأوديسة" (The Odyssey)، و لإصدارات أخرى ذات ميزانيات ضخمة مثل "سوبرغيرل"  و"مينينز آند مونسترز"  والنسخة الحية من فيلم "موانا"، وفقاً لأشخاص في صناعة السينما.</p><p class='article-text'>أما الأفلام الوحيدة ذات الميزانيات الضخمة التي أخفقت هذا الصيف فهي فيلم ديزني "حرب النجوم: الماندالوريان وغروغو" ، الذي تراجعت إيراداته بشكل كبير بعد بداية قوية، وفيلم أمازون المقتبس من ألعاب الثمانينيات "سادة الكون" (Masters of the Universe).</p><p class='article-text'>ويعزو الكثيرون في الصناعة طفرة هذا العام إلى حقيقة أن هوليوود قد أصدرت عدداً أكبر من الأفلام مقارنة بأي عام منذ 2019. فالمزيد من المحاولات يعني المزيد من الفرص للنجاح—خاصة الأفلام غير المتوقعة مثل "غرف خلفية".</p><p class='article-text'>يقول مايكل بوليدوروس، الرئيس التنفيذي لوكالة تسويق السينما "بيبر إيربلين" (Paper Airplane): "الخبر الرائع هو أن النجاح جاء نتيجة لعدد كبير من الأفلام من أنواع مختلفة".</p><p class='article-text'>لقد وصلت تكاليف تذاكر أفضل عروض "آيماكس" (IMAX) لأفلام مثل "الأوديسة" و"كثيب: الجزء الثالث" (Dune: Part III) في ديسمبر إلى 50 دولاراً—وأكثر في أسواق إعادة البيع. لكن دور العرض تدفع أيضاً نحو تقديم خصومات لعروض منتصف الأسبوع وللأشخاص الذين ينضمون إلى برامج الولاء.</p><p class='article-text'>يقول خبراء الصناعة إن عدة عوامل تجذب الجماهير إلى دور العرض، بما في ذلك القصص الملهمة عن التعاون الإنساني ("هيل ماري")، وحنين جيل الألفية ("برادا")، والمواد والمواهب الرقمية التي تجذب الجيل زد ("هوس").</p><p class='article-text'>ومع سلسلة "حكاية لعبة"، أظهرت ديزني ضبطاً للنفس غير معتاد من خلال إنتاج عدد قليل من التكميلات في الثلاثين عاماً الماضية. ويشعر الجمهور تجاه كل جزء منها كأنه حدث خاص أكثر من الامتيازات عالية التردد مثل "مارفل" و"المينينز".</p><p class='article-text'>ويمتلك الجيل إكس وجيل الألفية حنيناً لأفلام "حكاية لعبة" التي شاهدوها في شبابهم. وبحسب الشركة، فإن الأجزاء الأربعة السابقة هي سلسلة الأفلام الأكثر مشاهدة على منصة "ديزني+"، كما أن منتجات "حكاية لعبة" تدر أكثر من مليار دولار من المبيعات السنوية.</p><p class='article-text'>فيلم "حكاية لعبة 5" هو فيلم الرسوم المتحركة الوحيد حالياً في دور العرض المخصص للعائلات.</p><p class='article-text'>وقد جاءت المراجعات إيجابية للغاية بالنسبة للتكملة التي تدور حول جهاز لوحي يغزو عالم جيسي وودي وباز يطير. وقالت ديزني إن العائلات شكلت 55% من الجمهور، وحصل الفيلم على متوسط تقييم "A" من حشود ليلة الافتتاح، وفقاً لشركة أبحاث السوق "سينما سكور" .</p><p class='article-text'>يقول أندرو كريبس، رئيس التوزيع في ديزني: "يبدو هذا امتيازاً كبر الناس معه وتمسكوا به، ولكنه أيضاً امتياز يجذب معجبين جدداً".</p>

"حكاية لعبة" وأفلام "متواضعة" تحرك مياه هوليوود الراكدة بـ 4.4 مليارات دولار

<p class='article-text'>لم يكن جيل Z، كما ظن كثيرون، جيلاً ضائعاً في الشاشات الصغيرة، ولا أسيراً كاملاً للتيك توك والبث السريع. كان فقط ينتظر فيلماً يشبهه، وطقساً يخصه، وتجربة لا يشعر معها أن السينما بقايا عادة قديمة. وحين وُجدت تلك التجربة، عاد إلى القاعات لا كضيف عابر، بل كقوة قادرة على تغيير اتجاه شباك التذاكر.</p><p class='article-text'><b>عودة الجمهور</b></p><p class='article-text'>تقول الأرقام إن الحكاية أكبر من انطباع عابر. فبحسب تقرير "Cinema United" عن قوة العروض السينمائية في 2025، زادت وتيرة حضور جيل Z إلى دور السينما بنسبة 25% خلال عام واحد، وهي أكبر زيادة بين الفئات العمرية.</p><p class='article-text'>ووفقاً لـ "TheWrap"، بلغ متوسط حضور جيل Z إلى السينما 6.1 مرات سنوياً، بعدما كان 4.9 مرات في العام السابق. كما أن 41% من جمهور هذا الجيل ذهبوا إلى السينما ست مرات أو أكثر، مقارنة بـ31% سابقاً. هذه ليست عودة خجولة، بل عادة تتشكل من جديد.</p><p class='article-text'><b>جيل مواظب</b></p><p class='article-text'>كانت الفكرة السائدة أن جمهور الشباب هجر القاعة إلى الأبد، وأنه اكتفى بالهاتف، والمنصة، والمقاطع القصيرة، غير أن الأرقام تكشف شيئاً آخر: جيل Z لا يرفض السينما، بل يرفض السينما التي لا تمنحه سبباً للخروج من البيت. هو لا يذهب لأي فيلم، ولا يشتري التذكرة بدافع الملل كما كان يحدث في زمن المراكز التجارية القديمة. إنه يذهب عندما يشعر أن الفيلم حدث، وأن المشاهدة جزء من حوار جماعي، وأن القاعة تمنحه شيئاً لا تمنحه الشاشة الفردية.</p><p class='article-text'><b>طقس اجتماعي</b></p><p class='article-text'>وكشفت دراسة "Fandango" لاتجاهات الذهاب إلى السينما في 2025، لا يرى جيل Z القاعة كمكان لمشاهدة فيلم فقط، بل كمناسبة اجتماعية. فبينما قال 44% من عموم المشاركين إنهم يذهبون إلى السينما هرباً من الروتين اليومي.</p><p class='article-text'>وهنا تكمن المفارقة الجميلة. الجيل الأكثر التصاقاً بالشاشة الصغيرة هو أيضاً الجيل الذي يعيد اكتشاف متعة الجلوس في الظلام مع آخرين. كأنه تعب من الفرجة المنفردة، ومن التعليق السريع، ومن مشاهدة كل شيء وحده، فعاد يبحث عن الضحكة الجماعية، والصرخة المشتركة، واللحظة التي يلتفت فيها الناس إلى بعضهم بعد انتهاء الفيلم وكأنهم خرجوا من حلم واحد.</p><p class='article-text'><b>منصة التسويق</b></p><p class='article-text'>تقول "فاندانقو" أيضاً إن وسائل التواصل أصبحت مدخل الجمهور إلى الأفلام، وإن يوتيوب وفيسبوك وإنستغرام من أهم مصادر اكتشاف الأفلام عموماً، بينما كان تيك توك المنصة الأكثر تأثيراً لدى جيل Z وهذا يفسر جانباً من التحول: الفيلم لم يعد يبدأ عند شباك التذاكر، بل يبدأ قبل ذلك بأيام أو أسابيع، في مقطع قصير، أو نقاش، أو ميم، أو مراجعة عفوية، أو مشهد يتداوله الجمهور حتى يتحول إلى دعوة مفتوحة.</p><p class='article-text'>جيل Z لا يكتفي بمشاهدة الإعلان الرسمي. هو يريد أن يرى كيف تفاعل الناس، ماذا قالوا بعد الخروج، ما اللحظة التي صرخوا عندها، وما العبارة التي تحولت إلى نكتة داخلية. لذلك أصبحت الدعاية، في بعض الأحيان، أقل شبهاً بالحملة المنظمة، وأكثر شبهاً بعدوى ثقافية تنتقل بين الأصدقاء.</p><p class='article-text'><b>قاعات جديدة</b></p><p class='article-text'>ولم تكن دور العرض بعيدة عن هذا التحول. فتشير بيانات "سينما يونايتد"، ان قطاع دور السينما في أمريكا الشمالية استثمر أكثر من 1.5 مليار دولار في تطوير القاعات خلال عام واحد، كما ارتفعت عضويات برامج الولاء بنسبة 15%، ووصل عدد أعضاء هذه البرامج إلى 136 مليوناً. هذه الأرقام تقول إن القاعة نفسها تحاول أن تتغير: مقاعد أفضل، صوت أقوى، صور أضخم، أطعمة أكثر تنوعاً، وتجربة أقرب إلى الخروج الاجتماعي منها إلى المشاهدة البسيطة.</p><p class='article-text'>ولذلك لا يعود جيل Z إلى السينما لأنها عادة قديمة، بل لأنها أصبحت حين تُحسن تقديم نفسها تجربة نادرة في زمن الوفرة الرقمية. في البيت يستطيع أن يشاهد كل شيء، لكنه في القاعة يشعر أنه حضر شيئاً لا يمكن إعادته بالطريقة نفسها.</p><p class='article-text'><b>درس هوليوود</b></p><p class='article-text'>الدرس الذي ينبغي لهوليوود أن تسمعه جيداً أن جيل Z لا يعادي السينما، بل يعادي التكرار. لا يرفض القاعة، بل يرفض أن يدفع ثمن تجربة باردة. لا ينفر من الأفلام الطويلة أو الصعبة كما يقال أحياناً، لكنه يريد أن يشعر بأن الفيلم يستحق وقته، وأن هناك طاقة اجتماعية حوله، وأن خروجه إلى القاعة جزء من حدث لا مجرد استهلاك.</p><p class='article-text'>هذا الجيل يمكن أن يذهب إلى فيلم رعب مولود من يوتيوب، أو أنمي يملك قاعدة جماهيرية واسعة، أو لعبة تحولت إلى فيلم، أو عمل فني كبير يفرض نفسه بالنقاش. هو جيل واسع الذائقة، لكنه شديد الحساسية للزيف. يعرف متى تحاول الصناعة مخاطبته بلهجة مصطنعة، ويعرف متى يكون الفيلم صادراً من عالمه فعلاً.</p>

من تيك توك إلى شباك التذاكر

جيل الإنترنت يوقظ السينما

<p class='article-text'><div data-empty="false">يتصدر كريستوفر نولان قائمة أقوى المخرجين الموجودين في الساحة اليوم، وهؤلاء المخرجون رغم ما يتمتعون به من نقاط قوة متباينة، لا يوجد بينهم اليوم سيد واحد لفن «التشويق» – أو على الأقل، لم يعودوا كذلك.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">يتسم نولان بنوع من الترفع الفكري يمنعه من ذلك، وهذا نهج سلكه منذ البداية تقريباً (إذ يكتفي بخلق حالة من القلق على أفلامه، كما فعل بوضوح في فيلم «Dunkirk»). أما مارتن سكورسيزي، من جيل السبعينات والذي أثبت قدرته على صنع التشويق في فترات ماضية، خصوصاً في فيلمه «Cape Fear» عام 1991، فقد ترك آليات التشويق خلف ظهره تماماً في مرحلته الأخيرة المتسمة بالضخامة والملحمية. وماذا عن مخرج «بوند» المستقبلي دينيس فيلنوف؟ فرغم فيلمه «Sicario» إلا أنه لم يقترب من لقب سيد التشويق. ماذا عن ريدلي سكوت؟ لم يبرز في فيلمه Alien Covenant سوى مشهد واحد تشويقي في منتصف العمل، تميز بحيوية، وقد حشر حشراً بين مقاطع عدة من الهراء. كان ذلك المشهد صادماً لأنه بات الآن الاستثناء النادر، سكوت كما يبدو لنا، لم يعد يكترث. هذا الرجل الذي جعلنا في حالة من التوتر الشديد في فيلم Alien الأول عام 1979، مستخدماً مشاهد صمت طويلة لتعزيز الرعب، نراه الآن يدفع بدينزل واشنطن ليسرق الأضواء، في مشهد لا يثير في النفس سوى اللامبالاة، كما حدث في الجزء الثاني من فيلم Gladiator.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​أفلام التشويق الرشيقة القائمة على أفكار أصيلة باتت مفقودة، ولقد أصبح جميع المخرجين المذكورين آنفاً متعالين على صنع التشويق في أفلامهم، وباتوا ينظرون إلى أنفسهم وكأنهم مؤسسات ضخمة ولا يريدون الخوض في مشاهد يرونها تجريبية Experimental بالنسبة لهم. وينطبق الأمر ذاته على كوينتن تارانتينو، الذي يمتلك قدرات فائقة للقيام بذلك لو قرر النزول من عرشه. فبالنسبة لرجل يبجل «أفلام الدرجة الثانية» (B-movies) التي تربى عليها وبرع في صناعتها طول عقد التسعينيات وعقد الألفية وجعلها محبوبة لدى النقاد، نجد أن تارانتينو قد استسلم تماماً لهالة التمجيد والغرور المحيطة به، لدرجة منعته من تجريب أي شيء خارج نطاق أفكاره.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​من الواضح أن سوق الإثارة والتشويق لا يزال قائماً، لكنه حتماً ليس على الشاشة الكبيرة. وإلا فما التفسير وراء اندفاع المشتركين في منصة نتفليكس بأعداد غفيرة على أفلام التشويق التي أنتجت في التسعينيات، والتي لم يحقق بعضها سوى نجاحات متواضعة آنذاك؟</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​أكبر مثال فيلم المخرج جون أميل Copycat عام 1995، ذلك الفيلم المشوق الذي نرى فيه هولي هنتر وسيغورني ويفر ينحيان خلافاتهما جانباً لكشف هوية قاتل متسلسل. عندما ظهر هذا الفيلم مجدداً على «نتفليكس» العام الماضي، قفز مباشرة إلى قائمة العشرة الأوائل.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">والأمر نفسه انطبق على فيلم Double Jeopardy عام 1999 وهو عمل قد يبدو ساذجاً في حبكته لكنه مشحون بالتوتر، ويحاكي فيلم «The Fugitive»، حيث تُتّهم آشلي جود زوراً بقتل زوجها، وتبدأ في مراوغة ضابط مراقبة السلوك (تومي لي جونز، بالطبع).</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">​نشاهد هذه الأفلام – التي تُعتبر «روائع كلاسيكية» في نظر جيلنا (قراء هذه الجريدة) لأن هناك بوضوح حلقة مفقودة في دور السينما الكبرى اليوم. فالتشويق هو رغبة لا يمكن إرضاؤها بأي وسيلة أخرى مهما حاولوا استبدالها بأسماء نجوم، أو ميزانيات ضخمة للمؤثرات البصرية، أو حتى مشاهد دموية مستفزة. ومن المؤكد أن مطالبتنا بتسارع نبضات قلوبنا ليس طلباً مبالغاً فيه.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فالأفلام، في نهاية المطاف، هي الفن الأقدر على صنع التشويق، فمنذ اللحظة التي أصبحت فيها السينما شكلاً فنياً، أدرك الرواد الذين خاضوا غمارها أن لا وسط آخر يستطيع فعل ذلك، يعني أن هذا الوسط يمتلك قدرة استثنائية تجعلنا نجلس على حافة مقاعدنا ترقباً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">التحدي الذي طرحه ألفريد هيتشكوك بوصفه «سيد التشويق» تلقفه من بعده مقلدون كثر، بدءاً من براين دي بالما وكلود شابرول، وصولاً إلى إم. نايت شيامالان وديفيد فينشر.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولكن، أين نظراؤهم في هذا القرن؟ الإجابة الوحيدة شبه المنطقية تكمن في نوع «أفلام الرعب»؛ حيث أظهر مخرجون من أمثال جوردان بيل وجينيفر كنت وزاك كريجر براعة في هذا الصدد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">نادراً ما ينجح فيلم الرعب دون تشويق، أما سينمائياً، فإن القرن الذي تلى حقبة هيتشكوك يبدو غارقاً في النوم، أو متجاهلاً للتقنيات التي جعلته مشهوراً. هي فعلا فجوة غريبة في السوق.</div></p>

العمود الفقري لهوليوود ضياع سينما الإثارة والتشويق لصالح أدوات سوشيال ميديا

<p class='article-text'><div data-empty="false">أفلام اقتحام المنازل من أجمل الاتجاهات الفرعية في السينما، فهي تعكس أنواع القلق الذي يعتري البشر نتيجة التغييرات الاجتماعية والديموغرافية وأحياناً حتى السياسية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ما بدأ بمعركة بسيطة بين خير وشر تطور إلى محاولات استكشاف معقدة للطبقية والعدمية وهشاشة المساحة الآمنة. في البدايات كانت هذه الأفلام تشويقية بسيطة عن جريمة، لكن مع الوقت تحولت إلى مصائد نفسية ثم إلى ما يشبه صراعاً للبقاء. وأخيراً إلى أفلام مطاردة منزلية ذات حبكات ذهنية مبتكرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">العامل الرئيس الذي تغير عبر العقود هو «الكلوسترفوبيا»، أو ما يعرف بـ«رُهاب الأماكن المغلقة أو الضيقة»، فقد تعلم صناع الأفلام أن حبس الشخصيات داخل بيت يخلق تجارب سينمائية قوية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">على عكس الكثير من الأنواع الأخرى، بدأت أفلام اقتحام المنازل كما نعرفها اليوم في منتصف الخمسينيات، وتحديداً في فيلم Suddenly عام 1954 عندما اقتحم فرانك سيناترا منزل عائلة بينسون المطل على محطة قطارات لاغتيال الرئيس الأمريكي الذي من المفترض أن يتوقف في المحطة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">رغم أن فيلم Key Largo عام 1948 كان عن احتجاز رهائن في فندق بفلوريدا، إلا أن بطله همفري بوغارت عاود الظهور مرة أخرى في فيلم اقتحام منزل وهو The Desperate Hours عام 1955. الفرق أن بوغارت كان ضحية في الأول وتحول إلى المجرم في الثاني.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الأفلام المذكورة لم تكن شيئاً مميزاً أو لافتاً للانتباه كونها صنفت في ذلك الوقت أفلام جريمة عادية اندرجت ضمن موجة «نوار» التي سادت وتسيدت بعد الحرب العالمية الثانية وأصبحت مدرسة فنية في سينما الجريمة في هوليوود. هذه الأفلام عالجت اقتحام المنازل كسيناريو جريمة وليس رعباً. وقد حملت سمات بارزة مثل:</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">- مجرمين يحتجزون عائلة في منزلها أو فندق.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">- محاولة تدخل من الشرطة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">- توليد التوتر والتشويق من مشاهد المفاوضات والخديعة المحتملة.</div></p><div class='flex-container-one-image'>
</p>
<div class="image_body">
         
         <div class="single-item ">
             <figure>
                 <img src="/albayan/uploads/images/2026/04/21/5157931.jpg" alt="" />
                 <div class="image-copyright"></div>
                 <figcaption></figcaption>
             </figure>
         </div>
    </div>
<p class="article-desc"></div><p class='article-text'><div data-empty="false">لكن عام 1967 وفي وقت انحسار موجة «نوار» التي أخذت قوتها من صيغة الأبيض والأسود، جاء الفيلم الذي أسس لتصنيف اقتحام المنازل بشكل مستقل وهو Wait Until Dark من بطولة أودري هابرن.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">هذا الفيلم الأول الذي حول المنزل إلى ساحة معركة، وقدم شخصية بإعاقة جسدية كبطل للقصة. هيبرن في دور امرأة عمياء تحارب المجرمين الذين دخلوا منزلها صنع إحدى أولى تجارب كلوسترفوبيا في السينما الحديثة. وقد استعارت الكثير من الأفلام هذه الفكرة في العقود اللاحقة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في حقبة السبعينيات وانعكاساً لانتشار الجريمة في المدن الأمريكية نتيجة التوترات السياسية لمغامرات واشنطن الخارجية والمشاكل الاجتماعية، فقد تغيرت نبرة الأفلام نحو الواقعية القاسية وانهيار النظام المدني.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الأفلام هنا ألغت الغرض من الجريمة (اقتحام المنازل) وركزت على عامل الرعب والإرهاب الذي ينتاب الشخصيات التي تتعرض للملاحقة داخل منازلها. ومن أبرز الأمثلة هنا فيلم Straw Dogs عام 1971.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">هذا الفيلم أثار جدلاً بشدة عنفه وشخصياته المضطهدة، ولا عجب لو عرفنا أن مخرجه سام بيكنباه كان من النوع الذي إذا تولى إخراج فيلم دفع شخصياته إلى آخر حدودها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في عقد التسعينيات انتقل تصنيف أفلام اقتحام المنازل من فئة الجريمة إلى الرعب وتحولت هذه الأفلام إلى رعب نفسي بامتياز، وأبرز مثالين Cape Fear وFunny Games. هذان الفيلمان بدآ استكشاف قساوة النفس البشرية، فلم يعد المقتحمون مجرد غزاة ولكنهم صاروا خليطاً من السادية والمخادعين والوحوش المعتنقين لمذاهب فلسفية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فيلم Funny Games عام 1997 تحديداً شهد التغير الجذري لهذا الاتجاه بإزالة البطل المنقذ بشكل كامل وجرد السيناريو من صيغة التشويق المعروفة. وبدلاً من ذلك اعتنق موضة تعذيب الشخصيات نفسياً وجسدياً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">واستمر هذا الوضع في فترة الألفية حين عادت الأفلام إلى البساطة لكن ركزت على الخوف والأجواء القاتمة. كان من السمات البارزة لأفلام هذه الحقبة قلة الشخصيات، وإضفاء غموض شديد على دوافع المجرمين وإظهارهم بأقنعة مخيفة أو تشبه رؤوس حيوانات، فضلاً عن مشاهد طويلة صامتة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولعل أبرز عبارة اشتهرت من فيلم The Strangers عام 2008 هي: Because you›re home، لأنك في المنزل، عندما سأل الضحية المجرم عن دوافعه، والتي تبسط أو تلغي الدوافع التي قد يبحث عنها المشاهد لفهم أسباب الجريمة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">العبارة تشير بشكل مباشر إلى أن الاقتحام عشوائي، وعامل كلوسترفوبيا حاضر بقوة إذ إن المشاهد يركز في الخلفية المظلمة يبحث إن كان هناك شخص واقف في الظلام.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في العقد الثاني من الألفية حدث شيء مثير للاهتمام، فقد قلب صناع الأفلام المعادلة، ففي عام 2016 طرح فيلمان متشابها السمات، Don›t Breathe لا تتنفس، وHush.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الفيلمان يجعلان المقتحم هو الضحية الذي يتعرض للتعذيب داخل المنزل أثناء ملاحقته. في «لا تتنفس»، يقتحم مراهقون منزل رجل أعمى فيتحول هو إلى وحش مفترس وهم إلى ضحاياه. والمنزل نفسه يتحول إلى متاهة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي Hush تتعرض فتاة صماء إلى اقتحام يتعرض فيه المقتحم إلى تعذيب غير متوقع نتيجة الأفخاخ التي تنصبها له. نقطة مهمة نذكرها هنا أن مايك فلانغان صانع الفيلم طور قالب فيلم Wait Until Dark وحدثه للحقبة الرقمية مثبتاً أن السكون أقوى من أعلى صرخة. </div></p><p class='article-text'>وبقي أن نذكر مثالاً لأفلام تميزت بتوظيف التقنية كعامل مساعد للشخصيات وجزء من أجواء التوتر والرعب، مثل Panic Room وThe Purge. ومن سمات هذه الأفلام وجود غرف آمنة داخل المنزل وكاميرات فيديو مراقبة وأنظمة أمنية.</p>

الجدران تضيّق الخناق.. كيف أصبحت أفلام اقتحام المنازل تجسيداً للقلق؟

<p class='article-text'><div data-empty="false">لم تكن بيوت الفنانين يوماً مجرد أماكن للسكن، بل فضاءات نابضة بالإبداع، شهدت ميلاد ألحان خالدة، ولوحات فنية، وحكايات إنسانية عميقة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومع رحيل أصحابها، لم تغب هذه البيوت عن الذاكرة، بل تحولت إلى متاحف تحفظ تراثهم وتفتح أبوابها للجمهور، لتمنح الزائر فرصة فريدة للتعرف إلى تفاصيل حياتهم عن قرب.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويُعد متحف أم كلثوم، الكائن في القاهرة، واحداً من أبرز النماذج المنزلية التي تحولت إلى متحف، فقد جُمعت فيه مقتنيات «كوكب الشرق» من فساتينها الشهيرة، ونظارتها السوداء التي أصبحت جزءاً من هويتها، إلى جانب خطابات وصور نادرة وتسجيلات لحفلاتها. ولا يقتصر دور المتحف على عرض المقتنيات، بل يقدم تجربة سمعية وبصرية تعيد إحياء صوتها الذي ما زال حاضراً في وجدان الجمهور، إضافة إلى الكثير من ملابسها والأحذية الخاصة بها. ومع احتواء المتحف على قاعة سينما، ستجد عرضاً فيلمياً مستمراً، يتضمن مقتطفات من سيرتها الذاتية، إلى جانب مشاهد مختارة من أفلامها الستة، ولقطات من حفلاتها في مصر ومختلف أنحاء الوطن العربي. ويختتم الفيلم بمشاهد مؤثرة من جنازتها، وتبلغ مدته 26 دقيقة، وقد تُرجم إلى اللغتين الإنجليزية والفرنسية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما توجد بالمتحف قاعة تضم مجموعة من الصور النادرة للفنانة أم كلثوم، توثق مختلف المراحل العمرية في حياتها، إلى جانب صور من أفلامها، وأخرى تجمعها بعدد من الفنانين والمطربين، فضلاً عن صور مع رؤساء الدول العربية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبالانتقال إلى متحف الموسيقار محمد عبدالوهاب، ستشم رائحة الفن الجميل، فمن صور لمحمد عبدالوهاب ومن قام بالتلحين لهم من أول عبدالحليم حافظ وأم كلثوم وغيرهما من فناني هذا الجيل، ستجد كذلك العود الخاص به.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">يضم المتحف آلات محمد عبدالوهاب الموسيقية، ونوتاً بخط يده، وملابسه الرسمية، فضلاً عن تسجيلات نادرة توثق مراحل تطوره الفني، ليقدم صورة متكاملة لمسيرة فنان سبق عصره وأسهم في تشكيل ملامح الموسيقى الحديثة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">إبداع في التشكيل</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما تحول منزل الفنان محمود سعيد بمدينة الإسكندرية شمال مصر إلى واحد من أهم متاحف الفن التشكيلي. تبلغ المساحة الإجمالية للمتحف نحو 732 متراً مربعاً، في حين تمتد المساحات المفتوحة إلى 2176 متراً مربعاً. ويضم المتحف مجموعة من أبرز أعمال الفنان، إلى جانب مقتنيات شخصية وتذكارات تشمل الأوسمة والنياشين التي حصدها خلال مسيرته الحافلة بالإبداع.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتؤكد الدكتورة ماجدة سعد الدين، أستاذة الفن التشكيلي بأكاديمية الفنون بمصر لـ«البيان» أن متحف محمود سعيد يمثل نموذجاً فريداً للحفاظ على التراث الفني، مشيرة إلى أن المتحف لا يقتصر على عرض اللوحات فحسب، بل يعكس شخصية الفنان وأسلوبه الإبداعي من خلال مقتنياته وأدواته وبيئته الخاصة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتضيف أن تصميم المتحف وتنظيمه يتيحان للزائر تجربة تفاعلية، حيث يمكنه فهم تطور مسيرة الفنان ومراحل إبداعه المختلفة، ما يجعله مساحة حية للتعلم والإلهام، وليس مجرد مكان للعرض التقليدي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعن المنازل التي تحولت لمتاحف فنية، تقول الناقدة الفنية ماجدة خير الله لـ«البيان»: إن أهمية هذه المتاحف تكمن في الحفاظ على التراث الفني الذي من الممكن أن يمحوه الزمن. وتضيف أن هذه المتاحف جاذبة للسياحة، إضافة إلى أنها لوحة فنية أمام الأجيال لحفظ التراث الفني لهذا البلد.</div></p>

رحلة في حياة أم كلثوم ومحمد عبد الوهاب ومحمود سعيد

متاحف بيوت الفنانين العرب.. ألحان ولوحات وحكايات

<p class='article-text'><div data-empty="false">بينما تلمع الأضواء في صالات العرض، وتضج الشاشات بحكايات مستوردة، تقف السينما الإماراتية اليوم في ممر ضيق تتقاذفه رياح العولمة والحداثة. ليست المسألة مجرد عدسة وكادر، بل هي معركة وجود يخوضها صانع الأفلام الإماراتي لإثبات أن الحكاية المحلية قادرة على عبور الحدود، شريطة أن تتحرر من فجوة التلقي التاريخية التي جعلت المشاهد المحلي يرى في الإنتاج المحلي مادة للتندر أحياناً، أو تجربة لم تنضج بعد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وخلف الكواليس، ثمة غصة تسكن حناجر المبدعين؛ فالمهرجانات الكبرى التي كانت يوماً ما رئات يتنفس منها «الفن السابع» في الدولة باتت قليلة. وفي ظل «تابوهات» اجتماعية وتفاصيل قد تُزهق روح العمل قبل ولادته، يجد المخرج نفسه أمام خيارين أحلاهما مر: إما الانزواء في الظل، أو القفز نحو العالمية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في هذا التحقيق، تفتح «البيان» ملف «الفن السابع» في الإمارات؛ لتبحث مع صناعه عن المسار المستدام الذي لا يتوقف عند الفيلم الأول، مستطلعة أسباب غياب آليات الدعم الواضحة، وتفاصيل سطوة منصات البث الرقمي التدفقي التي أزاحت شباك التذاكر عن عرشه، ومستكشفة رؤى العقل الإماراتي المبدع الذي يحلم بسينما لا تستجدي الضحك، بل تلامس الوجدان الإنساني في أبهى صوره.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فجوة التلقي</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأوضحت المخرجة الإماراتية نجوم الغانم أن التحديات التي تواجه السينما المستقلة تختلف كلياً عن تلك التي تواجه السينما التجارية المدعومة، مشيرة إلى أن السينما التجارية تحظى بالدعم والترويج الواسع أكثر، بينما تعاني السينما المستقلة لأنها تخرج عن إطار السائد والموضوعات التقليدية التي تتبناها دور العرض.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأكدت الغانم أن السينما في الإمارات وصلت متأخرة مقارنة بفنون أخرى، ما يجعلها تفتقر إلى التراكم البصري التاريخي لدى الجمهور، مبينة أن هذا التأخر خلق فجوة في التلقي، بحيث لا يضع الجمهور المحلي السينما ضمن قائمة أولوياته، كما أن هناك صعوبة في جذب المشاهد نحو سينما خارج السياق، وهي السينما التي تطرح موضوعات جادة وعميقة ولا تستجدي الضحك.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتطرقت نجوم الغانم في حديثها إلى إشكالية الطرح، مؤكدة أن السينمائي الإماراتي في بعض الأحيان لا يتناول القضايا الإنسانية والمجتمعية الصعبة، وأن الإجراءات الطويلة قد تُزهق روح العمل قبل أن يرى النور.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعن طموح الوصول إلى العالمية، ذكرت الغانم أن المهرجانات الدولية تبحث دائماً عن موضوعات قوية وجريئة تعكس ثقافة الأرض القادمة منها، وأنه في ظل القيود الاجتماعية يجد المخرج نفسه مضطراً إلى العمل في إطار المسموح به، ما يضعف قدرته على المنافسة دولياً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقالت: «في ظل التابوهات الاجتماعية لا يمكننا تقديم أعمال قادرة على المنافسة في المهرجانات السينمائية الكبرى، وسنظل دائماً في المقاعد الخلفية»، مشددة على أن التوقعات المجتمعية، التي تفرض على الفنان أن يكون مراعياً لحدود معينة في الطرح، تتنافى جوهرياً مع روح الفن.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ودعت إلى ضرورة التحلي بالتسامح ومنح صناع السينما مساحة للتعبير، موضحة أن السينما الحقيقية أعمق من مجرد محاولات إفزاع الجمهور بأساليب نمطية، أو التنمر على فئات معينة تحت اسم «الكوميديا».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">مسار مستدام</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي قراءة تحليلية لواقع المشهد السينمائي المحلي، حددت المخرجة الإماراتية نايلة الخاجة ملامح التحديات والفرص التي تواجه صناع الأفلام في الإمارات، مؤكدة أن المسألة لم تعد تتعلق بمجرد البدايات، بل القدرة على خلق مسار مهني مستدام يضمن بقاء المبدع الإماراتي في الساحة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ورأت الخاجة أن المعضلة الحقيقية التي تواجه السينما الإماراتية اليوم لا تكمن في نقص الموهبة أو ضعف الإمكانيات، بل في الاستمرارية، موضحة في حديثها أن التحدي الأكبر هو بناء مسار مهني متصاعد لصنَّاع الأفلام، يتجاوز إنتاج العمل الأول ليشمل رحلة مهنية متكاملة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعلى الرغم من اعترافها بوجود بنية تحتية قوية ومواهب واعدة، شددت الخاجة على ضرورة وجود منظومة متكاملة تبدأ من مرحلة التطوير وتصل إلى التوزيع النهائي، وأهمية توفير دعم تراكمي يسمح للمخرجين والمنتجين ببناء أعمال متتالية دون الحاجة إلى البدء من نقطة الصفر مع كل مشروع جديد، إضافة إلى حلول تمويلية تواجه محدودية التمويل طويل الأمد، وإيجاد نماذج واضحة لاسترداد الاستثمار المحلي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي إجابة عن سؤال المنافسة مع السينما العربية والعالمية، وضعت الخاجة الصدق والجرأة شرطين أساسيين للنجاح، مشيرة إلى أن الجمهور المعاصر يتمتع بذكاء عالٍ وانفتاح عالمي، ما يجعله يبحث عن القصص الإنسانية الحقيقية التي تلامس وجدانه، بغض النظر عن هوية صانعها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولخصت خريطة الطريق للوصول بالفيلم الإماراتي إلى منصات التتويج والمنافسة العالمية عبر ثلاث ركائز: الإتقان الفني بتقديم عمل سينمائي يتمتع بمعايير احترافية عالية، والعمق العاطفي من خلال القدرة على مخاطبة قضايا مستمدة من تفاصيل الحياة اليومية، إلى جانب التوازن الثقافي، الذي رأته «المفتاح» الذي يجمع بين الخصوصية الثقافية المحلية واللغة السينمائية العالمية التي يفهمها الجميع.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">من جانبه، قدَّم المخرج الإماراتي طلال محمود قراءة نقدية لواقع «الفن السابع» في الإمارات، عبر تحديد مجموعة من العوائق البنيوية والاجتماعية التي تحول دون ازدهار الحراك السينمائي بالشكل المأمول، واضعاً في الوقت ذاته خريطة طريق لصنَّاع الأفلام لتجاوز عقدة الجمهور المحلي والوصول إلى العالمية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأشار محمود إلى أن صناعة السينما الإماراتية تواجه حالياً حالة من عدم الوضوح في آليات الدعم المقدمة، مؤكداً أن غياب القاعدة المشتركة التي تجمع بين صناع الأفلام والمؤسسات يعوق وضع خطط استراتيجية وميزانيات واضحة تتماشى مع تطلعات السينمائيين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعن العائق الاجتماعي، أوضح أن الجمهور المحلي يشكّل تحدياً كبيراً، لافتاً إلى تعامل البعض مع التجارب السينمائية المحلية بشيء من التقليل، بغض النظر عن جودتها أو نوعها، بل تحويلها أحياناً إلى مادة للسخرية، ما يؤثر سلباً في بيئة الإبداع.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وحول كيفية المنافسة مع الإنتاجات العربية والعالمية الضخمة، رأى طلال أن الصانع الحقيقي لا ينبغي أن يحصر تفكيره في إرضاء الجمهور المحلي الذي قد لا يكون داعماً في كثير من الأحيان، داعياً المخرجين إلى التركيز على معايير الحكاية المحلية وتقديمها بقالب إنساني يخاطب الجمهور العالمي والجاليات المقيمة بمختلف جنسياتها، والالتزام بتقديم القصة بجودة فنية عالية وعبر ممثلين متمكنين، مع ضرورة ترسيخ مبدأ أن صناعة الفيلم تهدف في المقام الأول إلى المتعة والفرجة وتقديم محتوى بصري وسردي رصين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">مرحلة انتقالية</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأكدت بثينة كاظم، مؤسِّسة «سينما عقيل»، أن قطاع صناعة الأفلام يمر بمرحلة انتقالية حرجة تتطلب إعادة نظر شاملة في منظومة الدعم والتمويل، موضحة أن المشهد السينمائي تأثر بشكل ملموس بندرة المهرجانات الكبرى التي كانت تشكّل ركيزة أساسية للإبداع والتعاون الإقليمي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأشارت كاظم إلى أن قلة المهرجانات السينمائية في الدولة، أدى إلى انخفاض وتيرة الإنتاج المشترك والتعاون مع المخرجين والمنتجين العرب، لافتة إلى أن التحدي الأكبر يكمن في تمويل «الأفلام البديلة» ذات الطابع الفني التي لا تُصنَّف بوصفها أفلاماً تجارية بحتة، مؤكدة أن هذا النوع من الفن يحتاج إلى منظومة داعمة تمكنه من الاستمرار والوصول إلى الجمهور.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعن التحولات العالمية، قالت كاظم: «نشهد نقلة تاريخية؛ فشباك التذاكر لم يعد المحرك الوحيد للنجاح التجاري»، مؤكدة أن منصات البث الرقمي التدفقي باتت اليوم المحرك الأساسي للإنتاج الإقليمي، ما يفرض واقعاً جديداً يتطلب مواءمة السياسات الإبداعية لتواكب هذا التغيير الجذري في طرق التوزيع والاستهلاك. واقترحت مؤسِّسة «سينما عقيل» مجموعة من الحلول العملية التي يمكن تنفيذها على المديين القريب والبعيد، أبرزها ضرورة إدراج السينما كـ«لغة تمكينية» في المناهج الدراسية والجامعية، لتعزيز النقد السينمائي والاحتفاء بالهوية العربية والإنتاج المحلي، إضافة إلى الفصل بين المحتوى والسينما، مطالبة بضرورة التفريق في السياسات والمنصات بين «صناعة السينما» بوصفها فناً، وبين «المحتوى الرقمي» العام الذي يستحوذ على الحيز الأكبر من الاهتمام حالياً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ودعت بثينة إلى ضرورة تحفيز صالات العرض عبر تفعيل سياسات وبرامج تشجع صالات السينما على برمجة وعرض الأفلام المحلية، مشددة على أن وجود صناديق دعم متخصصة هو «المنفذ الأساسي» لتحفيز الإنتاج، مستشهدة بالنموذج الفرنسي الذي يدعم السينما في كل مراحلها، من الكتابة والإنتاج إلى التوزيع والترويج.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">واختتمت كاظم حديثها بالتأكيد أن السينما جزء لا يتجزأ من الثقافة والهوية الوطنية، وأن تمكين الكتَّاب والمخرجين وتوفير فرص العمل والتمويل، كل ذلك سيضمن خروج إنتاجات إماراتية وروائية طويلة قادرة على المنافسة عالمياً، واستعادة مكانة الدولة في الخطاب السينمائي الإقليمي.</div></p>

السينما الإماراتية.. معركة الوجود في ممر الخيال الضيق

<p class='article-text'><div data-empty="false">في قلب منطقة ديرة العريقة، يقف سوق مرشد شاهداً حياً على مرحلة مبكرة من تاريخ دبي التجاري، ومرآةً لعلاقات أخوية متجذرة جمعت دولة الإمارات العربية المتحدة ودولة الكويت الشقيقة قبل قيام الاتحاد، ففي تلك المرحلة، أسهمت المبادرات الفردية للتجار الكويتيين، وفي مقدمتهم رجل الأعمال مرشد العصيمي، في تنشيط الحركة التجارية وترسيخ جسور التعاون بين البلدين، ليغدو السوق نموذجاً مبكراً للتداخل الاقتصادي والاجتماعي بين الشعبين الشقيقين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتعود قصة تأسيس السوق إلى الفترة ما بين عامَي 1944 و1949، حين قدم رجل الأعمال الكويتي مرشد العصيمي إلى دبي وبدأ نشاطه التجاري، واضعاً بذلك حجر الأساس لواحد من أقدم الأسواق التجارية في الإمارة، وقد أُطلق على السوق اسم «سوق مرشد» تقديراً لإسهاماته الريادية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي مراحله الأولى، شكّل سوق مرشد مركزاً رئيسياً لتجارة الجملة والصادرات والواردات، حيث نشطت فيه الحركة التجارية قبل ظهور المراكز التجارية الحديثة، وأسهم في تلبية احتياجات السوق المحلية وربط دبي بمسارات التجارة الإقليمية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويتميّز السوق بموقعه الاستراتيجي في قلب منطقة ديرة التاريخية، بالقرب من معالم تجارية بارزة مثل سوق الذهب، وسوق نايف، إلى جانب متحف المرأة الإماراتية، ما يعزز من مكانته كوجهة تجارية وسياحية في آنٍ واحد، كما يضم السوق تنوعاً واسعاً من المنتجات، تشمل العطور، والأقمشة، والتوابل، والحُلي، والتحف، والإلكترونيات، وغيرها الكثير.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن أبرز ما يميز سوق مرشد في دبي أيضاً أسعاره التنافسية التي تجذب المتسوقين والتجار على حد سواء، إضافة إلى الأجواء التراثية التي تعكس الثقافة الإماراتية والعربية، وسهولة الوصول إليه عبر المواصلات العامة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولا يزال سوق مرشد يحظى بشعبية كبيرة، مستقطباً الزوار والسياح من مختلف أنحاء العالم، في ظل جهود متواصلة لتطوير المنطقة التراثية في ديرة من خلال مشاريع تعزز بيئة المشاة وتحافظ على الطابع التاريخي، وترسخ حضورها كوجهة سياحية بارزة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">أما مرشد العصيمي، فقد وُلد في عشرينيات القرن الماضي، وغادر الكويت عام 1944 متجهاً إلى دبي بحثاً عن فرص الرزق والعمل، ليصبح لاحقاً واحداً من أبرز التجار المعروفين في الإمارة، حيث بدأ نشاطه في تجارة الأخشاب، قبل أن يوسّع أعماله لتشمل العقار والتجارة والترفيه، وافتتح أول دار سينما في ديرة عام 1956.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم يقتصر دور العصيمي على المجال التجاري، بل كان له إسهام بارز في المجال التعليمي والإداري، إذ لعب دوراً مهماً في عمل "مكتب الكويت في دبي" قبل افتتاحه الرسمي عام 1963، كما أسهم في دعم بدايات التعليم النظامي في دبي، حتى لُقّب بـ«أبو المعلمين» تقديراً لدوره الإنساني مع المعلمين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقد أشار صاحب السمو الشيخ محمد بن راشد آل مكتوم، نائب رئيس الدولة رئيس مجلس الوزراء حاكم دبي، رعاه الله، في كتابه "قصتي.. 50 قصة في خمسين عاماً"، إلى رجل الأعمال الكويتي مرشد العصيمي في فصل «غزو الشقيق»، ضمن عرضه لأمثلة التعاون بين البلدين في مرحلة ما قبل اتحاد الإمارات.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويقول صاحب السمو الشيخ محمد بن راشد في كتابه: "الكويت لم تكن بالنسبة لنا في الإمارات وفي دبي دولة أخرى. الكويت كانت في الحقيقة جزءاً من حياتنا. كانت جزءاً من حياة أغلب مواطنينا؛ من طفولتهم، من دراستهم في مدارسها، من علاجهم في عياداتها، حتى من حياتهم الاقتصادية".</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويضيف سموه: "لا يعرف الكثيرون أن سوق مرشد، أحد أكثر الأسواق الشعبية شهرة في دبي سُمّي على اسم رجل أعمال كويتي فاضل هو مرشد العصيمي؛ وأن التعليم النظامي دخل دبي عن طريق مدرسين من الكويت…".</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وهكذا، لا يمثل سوق مرشد مجرد سوق شعبي في دبي، بل يحكي قصة أخوّة راسخة، وشراكة تاريخية، وتكامل إنساني واقتصادي امتد لعقود، وجسّدته شخصيات صنعت فرقاً، وأسهمت في بناء جسور متينة بين الإمارات والكويت، لا تزال آثارها حاضرة حتى اليوم.</div></p>

سوق مرشد في دبي.. شاهد حي على عمق العلاقات الإماراتية الكويتية

<p class='article-text'><div data-empty="false">أكد بلال البدور، رئيس مجلس إدارة ندوة الثقافة والعلوم، أن التأثير الثقافي بين دولة الإمارات العربية المتحدة ودولة الكويت الشقيقة، بدأ منذ مرحلة مبكرة، مستعرضاً دور المثقفين والكتاب ووسائل الإعلام في بناء وعي ثقافي مشترك أسهم في تعزيز متانة العلاقات التاريخية بين الدولتين والشعبين الشقيقين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">جاء ذلك خلال جلسة بعنوان «المشهد الثقافي التاريخي للكويت في الإمارات.. الجذور والملامح»، ضمن أعمال المنتدى الإعلامي الإماراتي الكويتي، الذي عقد أمس في متحف المستقبل بدبي، ضمن أسبوع «الإمارات والكويت.. إخوة للأبد» الذي يمتد من 29 يناير الجاري حتى 4 فبراير المقبل في جميع إمارات الدولة.</div></p><h2>تعاون وثيق</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وتحدث البدور خلال الجلسة التي أدارتها الإعلامية هند النقبي، عن الملامح والأسس المشتركة بين الإمارات والكويت في المجال الثقافي، وسلط الضوء على التعاون الوثيق في المشاريع الثقافية التي رسخت المشهد الثقافي في البلدين، مشيراً إلى امتداد هذا التعاون إلى مبادرات ثقافية معاصرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتحدث بلال البدور، عن البدايات الأولى للتبادل الثقافي بين البلدين، مشيراً إلى أن الغوص لاستخراج اللؤلؤ واكتشاف النفط، ساعدا في تشكيل المشهد الثقافي المشترك للبلدين الشقيقين، حيث ساهما في توجه العديد من تجار الكويت إلى الإمارات، ومنهم شعراء تواصلوا مع شعراء الدولة وتبادلوا القصائد مع أهل الإمارات وشعرائها. </div></p><p class='article-text'>ولفت إلى أن صدور مجلة الكويت القديمة، التي كان لها وكلاء في الإمارات ويسهم فيها كتاب من الدولة، شكل وسيلة تواصل ثقافي بين البلدين. وأكد أن العديد من أبناء الإمارات الأوائل تلقوا تعليمهم في الكويت، أو في مدارس أقامتها الكويت في الإمارات، كما أن المناهج التعليمية في البلدين كانت متشابهة إلى حد كبير في ذلك الوقت.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">وذكر البدور 3 مجالات كانت شاهدة على عمق العلاقات التاريخية بين البلدين، وهي: التعليم والصحة والإعلام، حيث بادرت الكويت بدعم هذه القطاعات، قبل قيام دولة الاتحاد، عبر إنشاء المدارس والمستشفيات في العديد من إمارات الدولة، بالإضافة إلى إقامة إذاعة الكويت من دبي، واستمر هذا الدعم إلى ما بعد قيام الاتحاد.</div></p><h2>دور المثقفين</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وتحدث البدور عن دور المثقفين والكتّاب في بناء الجسور الثقافية الخليجية، وذكر أن هناك مجموعة من الشعراء كانت لهم مجالس، وكان هناك تواصل يومي بين شعراء الإمارات والكويت، بالإضافة إلى أن كتاب الإمارات كتبوا عن الكويت، وأيضاً أسهب كتاب الكويت في الحديث عن الإمارات، وتناول كل فريق إبراز تاريخ وجهود البلد الثاني.</div></p><h2>تشابك ثقافي</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">وأكد أن المؤسسات الثقافية في كل من الإمارات والكويت، كان لها تأثير كبير في تمتين أواصر العلاقات الأخوية، لاسيما أن البلدين ينتميان الى منطقة جغرافية واحدة وبينهما تشابك ثقافي واقتصادي واجتماعي، مشيراً إلى أن أول دار سينما في الإمارات أنشأها كويتي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتطرق البدور إلى التعاون بين اتحادي كتاب البلدين، وتأثير الكويت في المشهد الفني والمسرحي في دولة الإمارات، حيث لعبت الكويت دوراً مهماً في إعداد الرعيل الأول من الفنانين الإماراتيين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولفت إلى أن المؤسسات الثقافية والمطبوعات، كانت وما زالت، لها دور محوري في تشكيل وعي ثقافي مشترك، مشيراً إلى انعكاس تأثير المبادرات الثقافية المشتركة بين البلدين على المشهد الخليجي، مؤكداً أهمية المحافظة على هذا الزخم المشترك.</div></p>

أضاء على البدايات الأولى للتبادل المعرفي بين البلدين

المنتدى يستعرض جذور المشهد الثقافي المشترك

<p class='article-text'><div data-empty="false">في زمن باتت فيه الشاشة تُختزل إلى راحة يد، وتتنافس الثواني على انتباه متلقٍّ متعجل، تبدو السينما كأنها تقف أمام اختبار وجودي جديد. فبين إيقاع المنصات الرقمية المتسارع، وسيل المقاطع القصيرة التي تُستهلك بلمح البصر، يطفو سؤال جوهري على سطح المشهد البصري: هل يعيد هذا التحوّل تعريف العلاقة بين الجمهور والصورة، أم يفرض على «الفن السابع» أن يعيد صياغة نفسه؟</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لم تعد الأفلام القصيرة مجرد محطة تدريب أو تمرين عابر، بل تحوّلت إلى مساحة تعبير مكتملة، تستثمر التكثيف والاختزال لمخاطبة جمهور تغيرت عاداته وطرائق تلقيه. غير أن هذا الصعود المتنامي يفتح باب الجدل على مصراعيه: هل نحن أمام بديل سينمائي جديد تفرضه الضرورة الرقمية، أم أمام شكل مكمّل لا يلغي سحر التجربة السينمائية الكاملة؟ وبين من يرى في الأفلام القصيرة استجابة ذكية لروح العصر، ومن يحذّر من ذوبان الفن في منطق السرعة، تستطلع «البيان» آراء صناع سينما ومهتمين بالشأن الثقافي، في محاولة لقراءة مستقبل الصورة، وحدود التوازن الممكنة بين عمق السينما وإيقاع الزمن الرقمي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وحذرت المخرجة السينمائية نجوم الغانم، من الخلط بين فن السينما والمحتوى السريع الذي تفرضه منصات التواصل الاجتماعي، مؤكدةً أن تقليص جودة الفن بحجة ضيق وقت الجمهور هو رهان خاسر يهدد الهوية الثقافية للشعوب.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأكدت الغانم ضرورة التمييز الدقيق بين الأفلام القصيرة كنوع فني قائم بذاته، ومقاطع «الريلز» ومحتوى «السوشيال ميديا» الذي يهدف إلى التكثيف لمجرد السرعة، مشيرةً إلى أن الفيلم القصير قد لا تتجاوز مدته دقيقة أو ثلاث دقائق، لكنه يظل عملاً سينمائياً حقيقياً من حيث القيمة والبناء، ولا ينبغي وضعه في الفئة ذاتها مع المحتوى الموجَّه إلى من «ليس لديهم وقت».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وشبهت محاولة اختزال الفن السينمائي بمحاولة استبدال الملخصات بالكتب، متسائلةً: «هل الملخص سيلغي الكتاب؟». ورأت أن هذا التوجه يعكس رهاناً خاطئاً على جمهور لا يبحث عن العمق، مشددةً على أن الاستمرار في هذا المسار سيؤدي في النهاية إلى حالة من «اللاثقافة» و«اللافن».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي رسالة وجهتها إلى صناع القرار والفنانين، قالت نجوم الغانم: «يجب أن يكون توجهنا هو تعليم الجمهور والإسهام في رفع مستواه، بدلاً من التنازل المستمر لذائقته الحالية»، مختتمةً حديثها بالتأكيد أن الشعوب تقاس بمدى تطور ثقافتها ومعارفها، ومعبّرةً عن طموحها إلى أن تظل المنطقة العربية ضمن الشعوب التي يُفتخر بإرثها المعرفي، وهو ما يتطلب حرصاً شديداً على عدم التضحية بالقيم الفنية أمام موجات السرعة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تحوّل طبيعي</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ورأى المخرج السينمائي طلال محمود، أن تصاعد حضور المنصات الرقمية وتحوّل ذائقة الجمهور نحو المحتوى السريع لا يعني بالضرورة أفول زمن السينما التقليدية، ولا يجعل من الأفلام القصيرة بديلاً حاسماً للأفلام الطويلة، بقدر ما يعبّر عن تحوّل طبيعي في أشكال التلقي ووسائل العرض.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولفت محمود إلى أن للسينما طقوسها الخاصة التي ما زالت حاضرة بقوة في وجدان جمهورها، قائلاً إن «متعة دخول قاعة مظلمة، وانتظار اللحظة الأولى لبدء العرض، ثم مشاركة القصة مع صنّاعها وجدانياً وبصرياً، تجربة لا يمكن لأي شاشة شخصية أن تعوّضها».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأضاف أن عشّاق دور العرض ما زالوا موجودين، وإن السينما لا تزال تمثّل ملاذاً بصرياً وثقافياً وعقلياً، يتجاوز فكرة الترفيه السريع إلى تجربة إنسانية متكاملة، مشبّهاً الجدل الدائر اليوم حول تأثير المنصات الرقمية في السينما بما حدث سابقاً عند ظهور جهاز الفيديو، حين ساد الاعتقاد بأن هذا الابتكار سيقضي على دور العرض، إلا أن السينما - وفقاً لرأيه - أثبتت قدرتها على التكيّف والبقاء، دون أن تفقد جوهرها أو مكانتها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">أما عن الأفلام القصيرة، فأوضح محمود أنها ليست منافساً مباشراً للأفلام الطويلة، بل شكل فني قائم بذاته، فرض حضوره لاعتبارات تتعلق بسرعة الإيقاع المعاصر، وسهولة الوصول، ومرونة العرض عبر المنصات والمهرجانات، مشدداً على أن شعبية هذا الشكل لا تعني تراجع الفيلم الطويل، بل تعكس تنوّع الخيارات أمام المشاهد وصنّاع الأفلام على حد سواء.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">مكمّل إبداعي</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">من جانبها، أكدت المخرجة السينمائية نايلة الخاجة، أن تصاعد حضور الأفلام القصيرة في عصر المنصات الرقمية لا يعني بالضرورة أنها باتت بديلاً عن الأفلام الطويلة، موضحة أن هذا الشكل السينمائي يشكّل مكمّلاً إبداعياً يتناغم مع التحولات المتسارعة في أنماط المشاهدة وسرعة استهلاك المحتوى. وأشارت الخاجة إلى أن الأفلام القصيرة باتت أكثر ملاءمة لإيقاع العصر؛ لكونها سريعة الوصول، ومكثفة الفكرة، وقادرة على إيصال الإحساس في زمن محدود، وهو ما أسهم في تنامي شعبيتها على المنصات الرقمية المختلفة، ولا سيما بين الجمهور الباحث عن محتوى مختصر وفعّال.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأضافت أن هذا النوع من الأفلام يوفر مساحة مهمة للتجريب السينمائي، ويسهم في بناء جمهور جديد، إلى جانب دوره في اكتشاف أصوات ومواهب شابة تخوض تجاربها الأولى في عالم السينما، معتبرة أن هذه العوامل مجتمعة عززت حضور الفيلم القصير في المشهد السينمائي المعاصر. في المقابل، شددت الخاجة على أن الفيلم الطويل سيظل الشكل الأعمق للتعبير السينمائي، بما يتيحه من إمكانات أوسع لبناء العوالم السردية وتطوير الشخصيات، مؤكدةً أن العلاقة بين الفيلمين القصير والطويل هي علاقة تكامل لا تنافس، تعكس تنوع الوسائط وقدرة السينما على مواكبة التحولات التقنية والثقافية الراهنة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">نتاج حضاري</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأشارت بثينة كاظم، مؤسِّسة «سينما عقيل»، إلى أن الحراك المتصاعد الذي تشهده الأفلام القصيرة في الآونة الأخيرة لا يعدو كونه تطوراً طبيعياً لمكانة هذا النوع السينمائي الأصيل، مؤكدةً أن السينما، بمختلف قوالبها، تظل عصية على الاندثار أمام موجات المحتوى السريع. </div></p><p class='article-text'>وفي حديثها عن تأثير ثقافة المقاطع القصيرة ومنصات التواصل الاجتماعي في ذائقة الجمهور، أوضحت أن ما يُعرف بـ«نقص مدى الانتباه» قد يكون واقعاً ملموساً، لكنه لا يلغي حيز السينما.</p><p class='article-text'>وقالت: «السينما هي السينما في نهاية المطاف، سواء كانت طويلة، أو قصيرة، أو روائية، أو وثائقية؛ فلكل منها مساحتها الخاصة التي لا يمكن الاستغناء عنها». ورأت كاظم أن الأفلام القصيرة ليست ظاهرة مستحدثة ارتبطت بالمنصات الرقمية، بل هي موجودة منذ بدايات السينما.</p><p class='article-text'>ومع ذلك، لفتت إلى أن المتغير الحقيقي يكمن في الاهتمام المؤسسي، إذ بات مخرجو الأفلام القصيرة اليوم يجدون فرصاً للتمويل والانتشار عبر منصات البث الرقمي والمبادرات المؤسسية، وهو ما لم يكن متاحاً في السابق. وفي مقارنة تحليلية، شبهت بثينة كاظم العلاقة بين الفيلم القصير والطويل بالعلاقة بين المقال الصحفي والكتاب؛ فكلاهما يكمل الآخر ولا يعوّضه.</p>

الأفلام القصيرة.. مستقبل السينما أم نهاية الحكاية؟

<p class='article-text'><div data-empty="false">تستعد النسخة العاشرة من المهرجان الدولي للتصوير «إكسبوجر»، الذي ينظمه المكتب الإعلامي لحكومة الشارقة، لإطلاق أكبر وأغنى برنامج سينمائي في تاريخ المهرجان، في نقلة نوعية، تضع الفيلم في قلب هوية «إكسبوجر» الثقافية والإبداعية. </div></p><p class='article-text'>وعلى مدى سبعة أيام، يقدم المهرجان، الذي يقام من 29 يناير الجاري إلى 4 فبراير المقبل، في الجادة بالشارقة، تحت شعار «عقد من السرد البصري»، تجربة سينمائية تتضمن حوارات عالمية، و66 عرضاً سينمائياً متنوعاً بين الوثائقي والروائي والتجريبي، إلى جانب تدشين أول سينما خارجية في «إكسبوجر»، كمنصة مفتوحة للسرد البصري والتجربة السينمائية الحية.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويأتي هذا التوسّع السينمائي، ليرسخ مكانة «إكسبوجر» منصة متكاملة لصناعة الصورة والفيلم معاً، تجمع بين الفن والمعرفة والتدريب والاحتراف.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويستضيف المهرجان نخبة من صنّاع الأفلام والمنتجين والمخرجين العالميين، في برنامج مكثف من الحوارات والجلسات وورش العمل والعروض والجوائز، يجمع مختلف الخبرات، ويبني جسوراً بين المبدعين والجمهور وصناع السينما، ويخلق حواراً عالمياً حول أهمية الصورة والفيلم في رواية القصص. </div></p><p class='article-text'>ينطلق البرنامج السينمائي بجلسة حوارية بعنوان «قصص بصرية تغيّر كل شيء»، ضمن فعاليات حفل الافتتاح، تستضيف سانفورد ر. كليمان مؤسس ورئيس شركة «إنترتينمت ميديا فنتشرز» Entertainment Media Ventures، التي تقدم استثمارات إعلامية، ويحاوره فيها الإعلامي كريس فيد.</p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويناقش كليمان خلال الجلسة دور السرد البصري في تشكيل الفهم العام، وتعزيز قيم التعاطف والتعاون.</div></p>

نتائج البحث عن: دور سينما